Wat is urbex?
Urbex - veel mensen hebben er nog nooit van gehoord. Als je het woord intypt op Google krijg je foto’s van mysterieuze en verlaten woningen, fabrieken en andere gebouwen. Wat is het? Waar kun je urbex vinden en hoe kun je zelf aan de slag? Dit en meer lees je hieronder.
Wat is urbex?
Urbex is een samentrekking van het Engelse urban en exploring. Men gaat dus op pad om verlaten plekken en verweerde gebouwen te ontdekken. Met de nadruk op urban gaat het dus om steden en panden en niet om natuur aanzichten. De zogenaamde urbexer gaat erop uit om verborgen plekken te vinden. Het doet je misschien een beetje denken aan spannende avonturen die je beleefde toen je klein was. Ontdekkingsreizen voor volwassenen!
Wanneer je een spot gevonden hebt kun je ervoor kiezen om deze vast te leggen. Dan spreken we dus van urbex fotografie. En deze twee gaan vaak hand in hand. Zo heeft de urbexer een leuk souvenirtje en het staat stoer en origineel in een woning, kantoorpand of misschien wel museum.
Locaties
Aangezien de ruimte in Nederland schaars is en we dicht op elkaar leven, zijn er niet heel veel plekjes die geschikt zijn voor urbexen. Op het internet vind je allerlei tips hoe je het snelst de beste locaties kan vinden. Dit is makkelijker gezegd dan gedaan. Anderen zullen de locaties niet snel doorvertellen, want het is natuurlijk een prestatie om iets als een verlaten huis, kerk of parkeergarage te vinden. Daarnaast is het niet altijd legaal om plekken te betreden, aangezien het vaak privéterrein is.
Meestal vindt urbexen plaats in de stad, maar ook op het platteland kun je een oud kasteel of een vervallen boerderij vinden. Deze zullen zich vast perfect lenen voor een imponerend shot!
https://pixabay.com/en/girl-lost-barn-ghost-old-town-1241165/
Zelf urbexfoto’s of schilderijen maken
De belangrijkste regel voor urbex is “take nothing but pictures, leave nothing but footprints”. In veel gevallen ben je op privéterrein en wanneer je iets kapot maakt, maak je andermans eigendom kapot. Daarnaast ben je er om de omgeving vast te leggen en niet om te stelen of schade aan te brengen. Wanneer je niet door de voordeur naar binnen kan, ga dan op zoek naar bijvoorbeeld een open raam of een gebogen hek. Maar breek het raam niet en buig het hek niet zelf!
Het gaat om het rauwe, onbewerkte karakter van een beeld. Een afgebladderd behang, een beschimmelde muur en een uitstekende ijzerdraad. Dat zijn aspecten die een urbexfoto maken tot wat het is. De kijker - maar ook de fotograaf vragen zich af wat de geschiedenis is van een plek. Wanneer en wie er geleefd hebben. Je droomt weg bij een verlaten kasteel of kathedraal en je raakt geïntrigeerd door een spookstad of een oud gesticht. Het is dus niet nodig om de omgeving aan te passen voor de foto. De imperfecties zijn juist waar je naar op zoek bent. Je kan misschien wel een achtergelaten vuilniszak uit het beeld halen of een ander voorwerp verplaatsen. Maar haal niks weg en breng geen veranderingen aan die je niet terug kan draaien.
Daarnaast bestaat de kans dat het vervallen pand zo beschadigd is dat er instortingsgevaar bestaat of dat er glas op de grond ligt. Om deze redenen is het raadzaam om beschermende kleding te dragen. Ga daarnaast nooit alleen op pad! Dit is voor je eigen veiligheid en daarnaast is het gezelliger dan in je eentje.
Urbex schilderijen
Alhoewel Urbex voornamelijk foto’s betreft, zijn er ook schilders die zich aan deze trend wagen. Sommige kenmerken komen beter uit in een foto, maar anderen worden juist versterkt door het gebruik van verf of potlood. Daarnaast heeft de fotograaf minder vrijheid: hij kan maar tot op zekere hoogte dingen veranderen aan de omgeving. De schilder kan van alles: een muur wegbreken of juist toevoegen, een onverwacht perspectief kiezen of zelfs een complete fantasiewereld creëren.
Urbex in huis
Vaak zijn urbexers fanatieke fotografen met professionele apparatuur. Zij hebben dus vast wel ergens op een forum of een webshop hun werk te koop aangeboden. Daarnaast zijn er verschillende websites die urbexfoto’s op canvas aanbieden. Urbexfoto’s worden vaak bewerkt zodat de lichtinval beter uitkomt en het contrast wordt was verduidelijkt. Dit kan ervoor zorgen dat de foto er mysterieuzer uit komt te zien, maar soms ook enigszins duister. Deze foto’s staan mooi in een neutrale omgeving. Zo heb je een echte eyecatcher.
Urbex schilderijen zijn zeldzamer. Voor een uniek exemplaar kun je onder andere terecht in de webshop van MyNewArt.nl. Op internet zijn er schilders die zich specifiek richten op urbex. Deze werken zijn vaak te koop voor een redelijke prijs. Het mooie aan een urbex schilderij dat deze de sfeer over kunnen brengen zonder er grimmig uit te zien. Een schilderij zou dus mooi passen in bijvoorbeeld een strakke huiskamer maar ook in een warme slaapkamer. Het palet is makkelijker aan te passen op een bestaand interieur.
De leukste keuken schilderijen
Lekker eten is een hobby van velen en daarom brengen veel mensen heel veel tijd door in de keuken. Dan wil je natuurlijk dat de keuken een fijne omgeving is. Dit kun je bereiken door een mooi schilderij op te hangen. Maar niet ieder schilderij is geschikt om in de keuken op te hangen. Zo is de plek essentieel en daarnaast moet het materiaal tegen een stootje kunnen.Het kan zo zijn dat je door de bomen het bos niet meer ziet: er zijn zoveel leuke opties. Je kunt er dan ook nog voor kiezen om zelf aan de slag te gaan met een kloddertje verf en een canvas. Tips over het maken en het uitkiezen van een werk en een geschikt plekje vinden in de keuken vind je hieronder.
Blijf in het thema
De leukste schilderijen voor in de keuken zijn die waarop eten te zien zijn. Het is misschien een beetje voor de hand liggend, maar je zult de plank nooit misslaan! Eten is natuurlijk een heel breed begrip, dus je kunt alle kanten op. Kies bijvoorbeeld een mooi schilderij van je favoriete ingrediënt, een gerecht wat je aan een vakantie doet denken of misschien heb je wel een mooie foto gemaakt van de plaatselijke markt die geschilderd kan worden.
Het leuke aan eten is dat het simpelste voorwerp een fantastisch schilderij kan maken. Bijvoorbeeld een rood pepertje: een eenvoudige vorm, maar in de knallende, complementaire kleuren groen en rood. Daarnaast betekent deze eenvoud dat de schilder kan experimenteren met verschillende stijlen. Zo kun je het pepertje abstract of hyperrealistisch weergeven of juist in een klassiek stilleven verwerken.
Inspiratie van social media
Meer dan ooit is voedsel het gesprek van de dag. Zo ook op social media. Zogeheten foodies zijn sterren in het vastleggen van comfort food, latte art en ga zo maar door. Het simpelste gerechtje wordt omgetoverd tot een waar kunstwerk. Dit zijn vaak foto’s, maar ook schilders halen inspiratie uit voedsel. Steeds vaker wordt een alledaagse maaltijd op een originele, artistieke manier vastgelegd.
Ga eens op internet op zoek naar deze trendsetters en wie weet hangt er binnenkort wel een Instagram-waardig schilderij bij jou in de keuken! Deze exemplaren zijn trendy, modern en soms humoristisch en vormen misschien wel een nieuwe bron van inspiratie voor de kok.
Wordt blij van kleur
Net zoals in het echte leven ziet een kleurrijke maaltijd er op een schilderij feestelijk en lekker uit. Je hebt vast al wel eens een foto gezien van een markt in Marokko; alles ziet er lekker uit en je wordt vrolijk van alleen al de foto! Zulke afbeeldingen kun je natuurlijk ook ophangen in je eigen keuken. Een drukke marktkraam of kleurrijke fruitschaal vrolijkt de omgeving op en laat je nog meer zin in hebben in de te bereiden maaltijd!
Het ligt er natuurlijk wel aan hoe de keuken zelf eruit ziet. Een monotone keuken kan vaak wel wat kleur gebruiken. Heb je al een kleurrijke of drukke keuken, dan kan de afbeelding in het niet vallen. Denk dus eerst na over wat je wil voor de keuken en waar jij zelf blij van wordt.
TIP: Wanneer je voor een schilderij van een voedselmarkt houdt, kun je kiezen voor bijvoorbeeld een foto van boven. Afbeeldingen waarop diepte te zien is laten de ruimte namelijk groter lijken.
Materiaal & plek
De keuken is een plek waar van alles plaatsvindt. Het kerstdiner wordt er bereid, de verjaardagstaart geglazuurd en de koekjes gebakken. Dat betekent dat er nog wel eens iets kan verbranden of spetteren. Zorg er daarom voor dat je een schilderij op een tactische plek hangt. Boven het gasfornuis is misschien niet handig. Kies een plek waar minder etensresten achterblijven. Daarnaast is het materiaal ook niet onbelangrijk. Sommige materialen vervormen of worden vloeibaar wanneer ze opwarmen. Een weerbaarder materiaal is geschikt voor in de keuken, maar wanneer je de juiste plek kiest kan een fragiel werk ook zeker!
TIP: Wat dacht je van een beschilderd spatscherm? Onmisbaar in de keuken en een plezier voor het oog!
DIY
Net zoals je je baksels en maaltijden zelf maakt, kun je ook zelf aan de slag met kunst. Het internet loopt over met tips voor leuke creaties voor in de keuken. En waar staat een DIY-look nou beter dan in de keuken? Deze creaties zijn niet alleen leuk om naar te kijken. Samen met je vrienden of familie kun je een middagje je creativiteit uiten en iets in elkaar knutselen.
Wie weet ontdek je verborgen talenten en kun je voortaan je eigen schilderijen maken. Door zelf decoraties te knutselen kun je natuurlijk heel veel van jezelf laten zien. Daarnaast kun je een wand maken waarop je allerlei leuke foto’s, knutselwerkjes en herinneringen van jou en je gezin ophangen. Dit ziet er leuk uit en je weet zeker dat niemand anders zo’n creatief gedecoreerde keuken heeft.
Wie is Piet Mondriaan?
Piet Mondriaan, wie kent hem niet? Als je zijn naam hoort denk je al meteen aan de kleuren blauw, wit en geel. We weten dat hij beroemd was en is. Niet alleen in Nederland, maar in de hele wereld was hij in opspraak. Toch zul je vast nog niet alles van zijn interessante leven weten. Hieronder lees je alles over zijn ontwikkeling als kunstenaar en zijn weg naar bekendheid.
Opgroeien in Amsterdam
Piet wordt geboren als eerste zoon van zijn vader de onderwijzer en zijn moeder die voor de kinderen zorgde. Het tekenen werd de jonge Piet met de paplepel ingegoten. Zijn vader was naast hoofdonderwijzer ook nog tekenleraar. Als Piet laat blijken dat hij kunstenaar wil worden, moet hij eerst een diploma halen zodat hij ook tekenleraar is. Er zat nog een kunstenaar in de familie. Zijn oom Frits komt namelijk iedere zomer op bezoek en hij en Piet schilderen samen wat af.
Piet gaat op zichzelf wonen wanneer hij erin slaagt om naar de Academie te kunnen. Binnen Amsterdam verhuist hij vaak. Om dit alles te kunnen betalen verricht hij allerlei klusjes. Zo illustreert hij bijvoorbeeld wetenschappelijke boeken en geeft hij tekenles. Daarnaast schrijft hij een brief aan de toenmalige koningin om te vragen om een beurs. En jawel hoor, die krijgt hij. Uiteindelijk is het de natuur waar Piet zijn inspiratie uit haalt. Ook al valt het niet altijd bij het publiek in de smaak, hij ging door. Uiteindelijk trok hij naar de provincie om zich eens goed te verdiepen in het schilderen van landschappen.
De natuur in
Piet Mondriaan maakte in de tijd dat hij in Amsterdam woonde uitstapjes naar Gein en Duivendrecht. Later verhuisde hij naar het Brabantse Uden en hij heeft ook nog een tijd in het Oosten gewoond. In de natuur werkte hij voor het eerst aan geabstraheerde werken. Mondriaan was altijd op zoek naar moderniteit. Blijven hangen in het verleden was niks voor hem; nieuw was altijd beter. Niet iedereen waardeerde deze manier van denken. De schilderijen die Mondriaan maakte werden om deze reden ook niet vaak positief ontvangen. Zelfs zijn oom wilde niks meer met hem te maken hebben toen Mondriaan een molen in rood schilderde en daarbij de lucht kleurde met fel gele vlekken.
Tegendraads als hij was ging hij gewoon door met moderne en geabstraheerde schilderijen. In deze periode begon hij ook aan zijn beroemde bomen. Deze vormden uiteindelijk de basis voor de geometrische schilderijen waar we hem vandaag de dag van kennen.
Parijs
In Nederland loopt zijn zoektocht naar de moderniteit uiteindelijk spaak en Mondriaan besluit hierop om naar Parijs te verhuizen. Hier ontwikkelt hij zijn visie verder. Hij probeert bekendheid te werven. Zo verandert hij zijn signatuur in Mondrian, want dat is makkelijker uit te spreken voor de Parijzenaars. Daarnaast gaat hij allerlei feestjes en kunstcafés af. Hij houdt er de bijnaam piet-zie-je-me-niet aan over. Mondriaan kan helemaal zichzelf zijn in Parijs en hij heeft het er heel goed naar zijn zin.
Het lukt hem: in Parijs worden Mondriaan en zijn schilderijen beroemd, zelfs in andere landen leren ze hem kennen. Zijn atelier werd een heuse bezienswaardigheid en een inspiratie voor vele collega-kunstenaars.
Het leven van Piet Mondriaan in Laren
Tijdens de Eerste Wereldoorlog keert Mondriaan terug naar het neutrale Nederland. In Laren verzamelen zich meer kunstenaars met hetzelfde idee. Samen vormen zij de kunstenaarskolonie. Hier vindt Mondriaan zijn weg naar de pure abstractie. In Laren ontmoet hij ook Bart van der Leck, Theo van Doesburg en Vilmos Huszár. Met hen radicaliseert Mondriaan zijn kunstzinnige ideeën. Ze noemen zichzelf de ‘bewust abstracten’ of ‘werkelijk anderen’. In Laren ontwikkelt Mondriaan zich dus tot de schilder die de meesten vandaag zullen kennen. Schilderijen met zwarte in plaats van grijze strepen en met heel lichtgrijze vlakken. Door de kleurvlakken naar de zijkant te verplaatsen creëert hij een zogenaamd repoussoir - een soort van doorkijk.
De Stijl
De bewust abstracten richten samen het tijdschrift De Stijl op. Theo van Doesburg was hierbij de voornamelijke publicist. Het tijdschrift bracht het idee voort van een weergave die zuivere vormen gebruikt: rechte lijnen en primaire kleuren. Dit alles was gebaseerd op sociale ontwikkelingen en een specifieke ideologie. In de compositie van een kunstwerk moest harmonie doorklinken. Deze kunstwerken betroffen buiten schilderijen ook beeldhouwwerken, architectuur en toegepaste kunst.
Mondriaan en Van Doesburg krijgen ruzie. De ruzie begint om een onenigheid over het diagonaal: hoort die wel of niet thuis in de harmonieuze compositie? Uiteindelijk leidt het diagonaal tot een grotere botsing en Mondriaan verlaat De Stijl.
Mondriaan vandaag
Wat voor een enorme invloed Mondriaan heeft gehad is moeilijk te bevatten. De geometrische manier van weergeven is er een die vandaag de dag overal terug te zien is. Maar we beschouwen hem misschien als zo vanzelfsprekend dat we het niet eens doorhebben. Wie er wel eens met de trein reist,kan dit misschien beamen. Want wist je dat het interieur van de allernieuwste sprinter van de NS, de zogenaamde FLIRT, is gebaseerd op De Stijl? Zo zijn er nog veel meer voorbeelden waarbij Mondriaans beeldtaal als inspiratie gebruikt is.
Wil je nou eens zijn werk in het echt bekijken? Het Gemeentemuseum in Den Haag heeft de grootste collectie van zijn werken. Met meer dan 300 werken kun je een grote zaal vol prachtige originelen bekijken, waaronder zijn laatste werk, Victory Boogie Woogie. Maar zo zijn er in Nederland en eigenlijk over de hele wereld wel musea die minimaal één meesterwerk hebben hangen. Zoals je ziet kun je, in positieve zin, niet om Mondriaan heen!
Wat is aquarelverf?
Aquarelverf is simpel gezegd waterverf; pigment aangelegd met water. Je kent waterverf misschien nog wel uit je jeugd. Vaak schilderen kinderen met waterverf, omdat het makkelijk uit de kleren te krijgen is en omdat het effect van water met verf vermengen best wel interessant is. Maar ook volwassenen halen veel plezier uit deze schilderkunst en maken er geavanceerde en indrukwekkende werken mee. Aquarelleren is geschikt voor zowel beginners als gevorderden, omdat de techniek zo veelzijdig is.
De kunst van het waterverven
Een van de belangrijkste karakteristieken van aquarel is dat er zoveel water bij komt kijken. Aan de ene kant betekent dit dat deze schildertechniek niet heel vergevingsgezind is. De verf is vaak heel transparant waardoor foutjes zichtbaar blijven. Daarnaast kan verf in een ander kleurvlak lopen en zo vlekken maken. Een oplossing hiervoor is de nat-in-droog techniek. Hierbij laat je een laag opdrogen voordat je aan de volgende begint.
Het overlopen van kleuren kan ook voor hele mooi effecten zorgen. Zo is deze eigenschap een van de beste, maar tegelijkertijd ook een van de meest uitdagende eigenschappen. Wanneer je dit met opzet terug wil laten komen kun je dit het beste met de nat-in-nat techniek doen. De naam zegt het al: je begint aan een volgende verflaag als de voorgaande laag nog nat is.
Papier en verf
Aquarelpapier is speciaal gemaakt voor aquarelleren. Wanneer papier hout bevat, zal het in combinatie met aquarelverf gaan verkleuren. Aquarelpapier komt in allerlei verschillende soorten: groot en klein, glad of met textuur en natuurlijk goedkoop of duur. Het dure papier is niet per se veel beter. Vaak is het raadzaam om een beetje te experimenteren met de effecten van verschillende soorten papier. Iedere kunstenaar heeft zo zijn eigen voorkeuren.
Aquarelverf komt in verschillende soorten en maten. Zo kun je de verf in tubes kopen. In de tubes zit de verfpasta die voor de helft uit water bestaat. Je hebt ook blokjes. Dit is pigment met gom in een vaste vorm geperst. Als je hier met een nat penseel overheen gaat kun je beginnen met schilderen. Dan heb je ook nog krijt en potloden die met de toevoeging van water in verf veranderen.
Andere materialen
Het penseel en de kwast zijn ook van belang. Het materiaal en de dikte van de kwast of het penseel hebben effect op het eindresultaat. Voor een aquarel worden speciale kwasten en penselen gebruikt. De haren zijn wat zachter. Daarnaast zijn hele fijne penselen vaak onmisbaar. Dit komt omdat aquarelverf sneller in elkaar overloopt. Soms kan het daarom handig zijn om hele dunne lijnen te kunnen zetten. Dan kun je voorkomen dat kleurvlakken elkaar raken. Bij aquarelleren komt precisie kijken en een vaste hand is daarbij niet te missen!
Omdat de kleuren zo transparant zijn wordt er meestal geen witte aquarelverf gebruikt, maar de witte kleur van het papier. Witte vlakken moeten dus gewoon niet geverfd worden. Om er zeker van te zijn dat er geen verf in deze vlakken loopt, kun je maskeervloeistof gebruiken. Dit is een vloeistof die opdroogt in een rubberachtig laagje. Het laagje beschermt het papier van de verf en kan er makkelijk afgehaald worden wanneer de aquarel klaar is.
Een betaalbare hobby
De materialen komen in vele soorten en maten. Je hebt duur en goedkoop materiaal. Aquarellen is relatief goedkoop. Je hebt al een setje met blokjes voor ongeveer €15,- en hier kun je best wel lang mee doen. Daarnaast zijn de kleuren per blokje vervangbaar. Toch zit er wel een belangrijk kwaliteitsverschil in de goedkoopste materialen. Het goedkoopste setje geeft minder kleur af. Je hebt behoorlijk veel water nodig om verf op de kwast te krijgen en vervolgens is de kleur op het papier minder verzadigd. Goede kwasten, penselen en verf zijn dus een investering die het zeker waard zijn!
Er zijn dus eindeloos veel mogelijkheden. Tegenwoordig zijn er steeds meer mensen die de kunst van het aquarelleren waarderen. Toch waren er vroeger ook verbazingwekkend veel liefhebbers. De techniek is populair bij het schilderen van landschappen. Door de eigenschappen van de verf zijn natuurlijke omgevingen mooi en realistisch of juist dromerig weer te geven. Bekende kunstenaars die ook graag aquarellen schilderden waren Dürer, Gaugain en onze eigen Van Gogh niet te vergeten.
Wie is Karel Appel?
Ons kleine kikkerlandje heeft een heleboel kunstenaars gekend. Kunstenaars die wereldberoemd zijn geworden. Helaas zijn velen van hen inmiddels overleden. Maar hun werk leeft voort. Een van deze kunstenaars is Karel Appel. Zijn werken heb je vast al eens voorbij zien komen. Maar misschien zelfs zonder dat je het doorhad. Hieronder lees je meer over zijn leven en kunstwerken.
Karel Appel in zijn jongere jaren
Karel Appel groeide op in Amsterdam. Al op jonge leeftijd begon hij met het schilderen van impressionistische landschappen. Maar zijn ouders wilde liever dat hij in de kapperszaak van zijn vader ging werken. Toen hij toch naar de kunstacademie in Amsterdam ging, werd hij uit huis gezet. Hij volgde hier zijn opleiding tijdens de Duitse bezetting. Mensen hebben hem dat nog lang kwalijk genomen. Sommigen dachten zelfs dat hij samenwerkte met de Duitsers. Appel heeft dat altijd ontkend. Hij is zelfs nog een tijd voor de Duitsers op de vlucht geslagen. Karel Appel hield zich juist helemaal niet bezig met politiek. Hij vond dat kunst een uiting van je diepste gevoelens moest zijn. Werken waren nooit een politiek statement, maar altijd een expressie van gevoel.
Een gevoelige kunstenaar
Op de kunstacademie startte Appel zijn kunstenaars carrière. Appel was niet alleen schilder, hij was daarnaast ook beeldhouwer, lithograaf, dichter, etser en keramist. En al zijn werken werden inderdaad met veel gevoel gemaakt. Bij sommigen riepen ze ook heftige gevoelens op. Dat vonden mensen niet altijd even leuk. Zo maakte hij een muurschildering voor het stadhuis van Amsterdam, gebaseerd op zijn werk “Vragende Kinderen”. De ambtenaren die daar werkten vonden het werk maar niks. Na veel protest werd het werk verborgen. En zo kreeg Appel wel meer tegenstand in Nederland. Toch bleef hij doorgaan met het maken van provocerende werken.
De werkwijze van Karel Appel
Appel wilde niet per se mensen op de kast jagen. Hij stopte gewoon heel veel gevoel in zijn werk. Het maakproces was ook best heftig te noemen. In 1961 kwam er een documentaire uit over Appel waarin je hem aan het werk zien. In deze docu doet hij ook zijn beroemde uitspraak: “Ik rotzooi maar een beetje an.” Toch is dit niet helemaal waar. Ogenschijnlijk maakt Appel zijn schilderijen door klodders verf op een doek te gooien zonder erover na te denken. Achteraf blijkt dat Appel zich verdiept in de kunstgeschiedenis en in kunstenaars die hem inspireren. Het uiteindelijke werk vergt meer planning dan op het eerste gezicht lijkt.
CoBrA
Op de kunstacademie ontmoette Appel mede-kunstenaars Corneille en Constant, met wie hij nog lange tijd bevriend zou blijven. Met zijn drieën waren ze lid van CoBrA. De groep bestond uit een aantal schilders uit Kopenhagen, Brussel en Amsterdam. Van deze steden is de naam CoBrA dan ook een samentrekking – maar dan in het Frans. De groep maakte kunstwerken waaraan een filosofie verbonden zat. Zoals gezegd ging het Appel om de uiting van innerlijke gevoelens. CoBrA wilde ook terug naar de oergevoelens. Ze haalden inspiratie uit tekeningen gemaakt door kinderen en geesteszieken, maar ook het surrealisme en zelfs het eigen handschrift vormden een belangrijke bron van inspiratie. De groep bestond maar een paar jaar, maar de ideeën en invloed leven voort. Zelfs tot op de dag van vandaag.
https://pixabay.com/nl/dance-kindertekeningen-ballet-83478/
De jaren na CoBrA
CoBrA bestond dus slecht enkele jaren. Toch werd Appel in de tijd daarna nog steeds geassocieerd met de groep. In de jaren ‘50 maakte Appel met zijn vriend Constant een reis naar Parijs. Hier kwam hij in aanraking met allerlei beroemde schilders. Schilders zoals Picasso en Dubuffet inspireerde hem. Door zijn reis ontwikkelde hij zich verder. Zijn schilderstijl was nog steeds expressief, maar het was nog veel meer. In Nederland kreeg hij nog altijd niet de waardering die hij verdiende. In Parijs was dat wel het geval. Appel werd vanaf toen steeds bekender. Steeds meer mensen wilden zijn kunst kopen en musea wilden hem tentoonstellen.
Karel’s nalatenschap
In de jaren die volgden bleef Appel zijn stijl ontwikkelen. Hij gebruikte steeds andere materialen en stijlen en combineerde disciplines. Zo werkte hij samen met kunstenaars die bijvoorbeeld choreograaf of muzikant waren. Een blijvend iets is het uitdagen van de kijker. De werken kunnen nog steeds heftig overkomen. Zijn werk heeft nog steeds invloed op hedendaagse kunstenaars. Iets anders heftigs is het onderhoud. Sommige werken van Appel zijn met zulke dikke verf aangebracht, dat ze nog steeds niet opgedroogd zijn! De mensen die zich bekommeren om zijn werken, moeten oppassen dat de verf niet van het doek afdruipt. En dat tientallen jaren later.
Expo’s anno nu
Mocht je nieuwsgierig zijn geworden naar de werken van Appel… Ze zijn overal ter wereld te bewonderen. Van New York en San Francisco tot aan Brazilië en Canada. Allemaal exposeren ze werken van Appel. Wil je nou niet naar de andere kant van de wereld om zijn kunst te zien? In Nederland zijn er ook een heleboel musea die werken van hem in de collectie hebben. Bijvoorbeeld het Cobra Museum voor Moderne Kunsten in Amstelveen. De naam zegt het al: een museum speciaal opgericht voor de kunst gemaakt door CoBrA. Daarnaast heb je nog het Stedelijk Museum in Amsterdam, het Van Abbemuseum in Eindhoven, het Rijksmuseum Twente en nog veel meer. Door het hele land zijn er musea die ook onder de indruk zijn van de kunst van Karel Appel. Jij ook?
Wat is portretkunst?
Een portret is iets van alle tijden. De oudste portretten zijn afkomstig uit de tijd van de Egyptenaren. Door de jaren heen werden ze gemaakt om verschillende redenen en in verschillende vormen. Maar toch: een portret is een tijdloze kunstvorm. Hieronder lees je over hoe het portret zich ontwikkeld heeft door de jaren heen en welke verschillende soorten portretten er allemaal zijn.
De eerste portretten
De eerste portretten werden gemaakt om de doden te beschermen tegen kwade geesten. Dit deed men in Egypte in de beroemde piramides en in bepaalde delen van het Romeinse Rijk. Helaas zijn schilderijen uit deze tijd niet goed bewaard gebleven, dus zijn er weinig overblijfselen van geschilderde portretten. De portretten die bij de graven gevonden zijn, zijn vooral kleine beeldjes. Toch vertellen deze voorwerpen een belangrijk verhaal over het leven en de kunstgeschiedenis van de Egyptenaren en de Romeinen.
In de Middeleeuwen werden portretten gemaakt om het goddelijke te verheerlijken. Dit werd gedaan om men te herinneren aan de Dag des Oordeels en het leven na de dood. Zo werd Christus soms heel angstaanjagend afgebeeld bij de ingang van een kathedraal. De kunstenaars uit de Middeleeuwen wilden dus het spirituele verbeelden. Aangezien het spirituele geen lichaam heeft, werd het minder belangrijk om de figuren levensecht weer te geven. Om de figuren toch herkenbaar te maken kregen zij een voorwerp of andere kenmerken.
Tot aan de 14e eeuw waren portretten dus vooral functioneel. Dit paste ook bij de mentaliteit van de tijd. In de 15e eeuw veranderde de tijdgeest toen de Renaissance, oftewel de wedergeboorte, aanbrak.
De wedergeboorte van het portret
De Renaissance bracht een hernieuwde aandacht voor het individu. Persoonlijke eigenschappen werden veel meer gewaardeerd. Men ging zichzelf ontwikkelen en er kwam meer aandacht voor het leven op aarde en het individu. In deze portretten kwam er weer aandacht voor de persoonlijkheid van het individu en realisme werd weer belangrijker. Dit is tot op de dag van vandaag niet echt meer veranderd: portretten worden vooral gemaakt om een persoon zo gunstig mogelijk af te beelden of om zijn of haar persoonlijkheid door te laten klinken.
Vanaf de Renaissance wordt het portret razend populair en kunstenaars gaan zich zelfs specialiseren in portretkunst. Vanaf deze periode zal het portret vooral als kunst bedoeld en gewaardeerd worden. De strijd die al terug te zien is aan het begin van de kunstgeschiedenis zal nog wel blijven bestaan: realisme versus abstractie. In de Middeleeuwen werd het realisme dus losgelaten. De Grieken bestudeerden juist de anatomie van het menselijk lichaam om hun werken zo realistisch mogelijk te maken. De Romeinen gingen dan juist weer voor idealisering… Zo zal het in de eeuwen hierna door blijven gaan. Ook ontwikkelen de kunstenaars verschillende specialisaties binnen de portretkunst.
Een veelzijdige kunst
Al tijdens de Renaissance kwam er een stroming waarbij de lichamen geïdealiseerd werden en de realiteit werd losgelaten. Het maniërisme omvat portretten waarin de figuren ranke, slanke lichamen hebben met blanke gezichten die bijna van porselein lijken. Deze dromerige manier van figuren weergeven werd doorgetrokken tijdens de Romantiek in de 19e eeuw. Binnen deze stroming was er een hang naar het verleden en het spirituele. Hierbij werden personen afgebeeld in weelderige kleding en warme kleuren. Dan was er nog de stroming van het Realisme. Hierbij werd, zoals de naam al aangeeft, de kijker geconfronteerd met de realiteit van het alledaagse. Figuren in deze portretten werden afgebeeld in rauwe kleuren en barre omstandigheden.
Vanaf de 19e eeuw maakt de fotografie zijn intrede. In de beginjaren waren fotoportretten lastig te maken, want mensen moesten soms wel twintig minuten onbewogen in de camera kijken. Vandaag de dag is dit natuurlijk anders en is vooral de hypermoderne vorm van het zelfportret populair: de selfie. Daarnaast doen fotografen soms hun best om een foto zoveel mogelijk op een schilderij te laten lijken met behulp van filters en andere snufjes. Dit wordt picturalisme genoemd.
In de 20e eeuw nam abstractie de overhand. Dit is mede te danken aan de komst van de fotografie. Levensechte portretten kunnen nu met de fotocamera gemaakt worden. Schilders krijgen hierdoor de kans om werken abstracter weer te geven. Schilders als Van Gogh en Matisse lieten nog wel herkenbare figuren zien, maar lieten ook een deel aan de verbeelding over. Ze gebruikten bijvoorbeeld felle, onrealistische kleuren of vervormden de proporties of het perspectief.
Het portret in Nederland
Zoals altijd deed men het in de Lage Landen op een eigen manier. Verschillende Hollandse meesters specialiseerden zich in de Gouden Eeuw ook in portretkunst. De portretten afkomstig uit deze tijd waren uniek vergeleken met werken uit bijvoorbeeld Italië of Frankrijk. Hollandse portretkunstenaars slaagden erin om de figuren spontaan en vrolijk te laten ogen. Vooral Frans Hals staat bekend om portretten in deze stijl. Daarnaast konden deze kunstenaars goed de lichtinval vangen en de structuur van de stoffen mooi en realistisch over laten komen. Zoals je eerder kon lezen, waren Hollandse kunstenaars ook gespecialiseerd in het schilderen van stillevens, waarbij stoffen en materialen ook een grote rol speelden. Daarnaast waren de Hollanders goed in groepsportretten. Zo schilderde Rembrandt van Rijn de wereldberoemde Nachtwacht. Het perfecte voorbeeld van een Hollands groepsportret waarin de beweging terug is te zien in het schilderij. Rembrandt en zijn tijdgenoten maakten portretten waarin de figuren niet meer statisch afgebeeld waren.
De onderwerpen van de Hollandse portretkunst was anders dan die van de omringende Europese landen. De portretten afkomstig van de Lage Landen lieten welgestelde families, handelaars en bestuurslieden zien. Deze werden vervaardigd in zogeheten familie-, huwelijks- en kinderportretten en schuttersstukken en regenstukken.
Moderne portretten
Vandaag de dag zien we van alles wat terug. Levensechte én -grote werken, Abstracte werken waarin niemand in te herkennen is en waarin vooral het gevoel belangrijk is. Ook is er nu veel meer mogelijk met de fotografie. Met je mobieltje maak je eenvoudig een portret van wie je maar wil. Zo zie je maar: de portretkunst is veelzijdig en heeft een rijke geschiedenis en is daarnaast toegankelijk voor iedereen.
Welke verschillende soorten schilderkunst zijn er?
De schilderkunst kent een complexe, lange en soms zelfs turbulente geschiedenis. Schilderijen vertellen verhalen over het leven van mensen die eeuwen geleden leefden. Spannende, romantische en ontroerende verhalen, maar soms ook wetenschappelijke verhalen. Men had steeds verschillende beweegredenen om te schilderen. Soms was het in opdracht van de Kerk. De ene keer moest dat zo simpel en symbolisch mogelijk en de andere keer moest je Christus juist gedetailleerd weergeven met extra veel luxe materialen en motieven. Soms was het in opdracht van rijke kooplieden en moest een bepaald persoon, gebouw of voorwerp centraal staan. De andere keer mocht de kunstenaar het zelf weten en kwam er iets totaal onherkenbaars tevoorschijn op het doek.
Wat de kunstenaars gemeen hebben en hadden is dat ze gebonden zijn aan beschikbare materialen. Lange tijd was het ook zo dat ze zich aan bepaalde regels moesten houden, wat ook effect had op de schilderijen. Hieronder lees je over hoe de functie van kunst en de beschikbare materialen leiden tot verschillende soorten schilderkunst.
Kunst voor de wetenschap
Zoals gezegd had en heeft schilderkunst vaak een functie. Dit is niet altijd zo, behalve dat je ernaar kunt kijken en erover na kunt denken. Vroeger was het bijvoorbeeld niet zo gebruikelijk om te kunnen lezen en schrijven. Belangrijke informatie moest op een andere manier worden overgebracht. Toen er nog helemaal geen schrift was, maakten men grotschilderingen. In de Middeleeuwen werd het verhaal van Christus verteld aan iedereen die het wilde weten, maar niet kon lezen, door middel van plaatjes.
Toen er meer aandacht kwam voor de wetenschap waren er al veel meer mensen die konden lezen en schrijven. Dat betekende niet dat schilderkunst overbodig werd. Integendeel, schilderijen waren nog steeds onmisbaar. Bijvoorbeeld bij het bestuderen van vakgebieden waarbij het handig is om afbeeldingen te kunnen bekijken, zoals biologie of astrologie. Dat is natuurlijk nog steeds het geval. Omdat er toen nog geen fotografie was, waren schilderijen en prenten de belangrijkste documenten, naast boeken.
Kunst als statement
Nadat de fotografie uit was gevonden, namen foto’s grotendeels de functie van schilderijen over. Toch blijft schilderkunst belangrijk, ondanks de vele technologische ontwikkelingen onze geschiedenis inmiddels kent. Vanaf de 20e eeuw speelt schilderkunst een belangrijke rol in bijvoorbeeld de politiek. In de 20e eeuw ontstonden er allerlei stromingen. Dat dit ontstaan vaak samenviel met de dreigende Wereldoorlogen was geen toeval. De stromingen hadden van alles te zeggen over de effecten van de Oorlog. Vaak deden zij dit in de vorm van manifesten die werden gepubliceerd, bijvoorbeeld in tijdschriften. Met schilderijen zetten deze denkers hun uitingen kracht bij.
Kunstzinnige uitvindingen
Naast de belangrijke uitvindingen van het schrift en fotografie waren er natuurlijk nog een heleboel andere ontwikkelingen. Kijk maar naar de allereerste kunst. In de prehistorie tekende men met rode leem op de rotswand. Hiervoor gebruikten zij hun handen, hun mond en soms eenvoudige kwasten. Je kunt je voorstellen dat de uitvinding van penselen al een groot verschil maakte voor kunstenaars. Kunstenaars kunnen veel meer detail aanbrengen in de schilderijen, wat weer meer schilderstijlen mogelijk maakt. In de Middeleeuwen zie je dit goed terug bijvoorbeeld. Er zijn kunstenaars die met perspectief gaan werken, zodat het lijkt alsof je het schilderij in kunt stappen. Anderen vinden het detail minder belangrijk. Ze schilderen poppetjes en met behulp van bepaalde kleuren en objecten kan de kijker ontdekken wat de afbeelding voor moet stellen.
Er komen zo ook steeds meer kleuren. Het was vroeger zo dat kunstenaars hun eigen verf moesten maken. Ze moesten dus op zoek gaan naar kleurpigment. Die vonden ze in de natuur. Er werden steeds meer kleuren ontdekt en zo kon de kunstenaar dus veel meer kanten op. De meeste schilderijen werden geschilderd met eitempera: verf gemaakt van eidooiers. In de 15e eeuw werd olieverf uitgevonden, wat veel meer mogelijkheden met zich meebracht. Je kunt goed het verschil zien tussen eiverf en olieverf. Met olieverf wordt het bijvoorbeeld veel makkelijker om met licht en donker te spelen en om oppervlaktes textuur te geven. Jan van Eyck kon bijvoorbeeld mantels zo fluweelachtig over laten komen dat je ze bijna aan wilt raken. Zonder olieverf waren de beroemde stillevens van de Hollandse meesters misschien wel nooit gemaakt.
Kunst voor kunst
De uitvinding die voor een explosie aan schilderstijlen zorgde was de fotografie. Op foto’s werd de werkelijkheid perfect weergeven en de schilders hoefden dit dus niet meer te doen. Ze konden op een andere manier te werk gaan. Ze gingen schilderen vanuit hun gevoel. Van Gogh, bijvoorbeeld, schilderde voorstellingen die hij niet echt gezien had, maar die hij zich verbeeldde. Andere kunstenaars gingen zich afvragen wat kunst nu eigenlijk was. Er kwamen werken die mensen op dat moment als choquerend ervoeren, maar die wel veel betekend hebben voor het ontwikkelen van nieuwe kunstsoorten.
In de 21e eeuw zijn kunstenaars niet meer afhankelijk van opdrachtgevers of stijlconventies. Alles mag en alles kan. Zeker op technologisch gebied zijn er ontelbaar veel mogelijkheden en er komen er steeds meer bij. Toch blijft de schilderkunst zich ontwikkelen en nog steeds zijn schilderijen belangrijk. Wie weet welke soorten schilderkunst ons nog staan te wachten…
Wat is Abstract expressionisme?
Abstract expressionisme klinkt, zoals de naam al zegt, nogal abstract. Maar schijn bedriegt: het is veel simpeler dan dat het klinkt. We hadden het al eerder kort over de stroming, maar er valt nog veel meer over te zeggen. Hieronder een makkelijk overzicht met alles wat je moet weten over abstract expressionisme.
Van Parijs naar New York
In een eerdere post kon je lezen hoe de abstracte kunst een vlucht nam in Europa, met allerlei verschillende stromingen. Tijdens de eerste helft van de negentiende eeuw lag het centrum van de kunst in Parijs. Na de Tweede Wereldoorlog veranderde dat en was het in New York te doen. Vóór de Tweede Wereldoorlog was de kunst in Amerika heel anders. Figuratieve kunst was de norm. Schilderijen of scherpe foto’s die deugdzame, Amerikaanse arbeiders afbeeldingen waren vooral populair. Toch was dit voor abstracte kunstenaars geen ongewenste omgeving. Schilders werden gesteund of ze nou abstracte of figuratieve kunst maakten.
Na de oorlog kwam daar ook nog bij dat het in de Verenigde Staten veel veiliger was dan in Europa. Een heleboel invloedrijke Europese kunstenaars vluchtten om die reden naar Amerika. Onder hen waren Marc Chagall, Max Ernst en onze eigen Piet Mondriaan. Zij namen hun ideeën over het leven en de kunst mee en gingen in de Verenigde Staten verder met schilderen. Voor de stroming van het abstract expressionisme waren zij van grote betekenis. Vooral kubistische en surrealistische kunst hielp mee in het ontstaan van het abstract expressionisme.
Dada, waar we Marcel Duchamp en zijn urinoir van kennen, speelde ook een grote rol. De Dadaïsten lieten namelijk veel over aan het toeval. Neem alleen al de naam van de stroming. Dada, het Duitse woord voor stokpaardje, werd als naam gekozen nadat het blind werd aangewezen in een woordenboek. Bij de techniek “dripping”, die Jackson Pollock in zijn werken gebruikte, wordt er ook uitgegaan van toevalligheden. Dada is ook nog een tijdje groot geweest in Amerika, want Duchamp verhuisde namelijk naar New York. Het beroemde urinoir heeft hij dan ook daar tentoongesteld.
Een emotionele stroming
Uiteindelijk ontstaan er een groepering waaronder verschillende kunstenaars vielen, genaamd New York School. Bij deze school hoorden allerlei soorten kunstenaars. Zo maakte Willem de Kooning bijvoorbeeld figuratieve werken terwijl Mark Rothko toch wel de meester van de abstracte kunst te noemen valt. Toch werden zij beide onder de New York School gekoppeld. Wat hen aan elkaar verbond, was de manier waarop ze het doek benaderde. Dit betekent dat zij Europese manieren los lieten en op hun eigen manier te werk gingen. Zo ging het meer over het maakproces dan over het eindresultaat. Toch is er een onderscheid te maken, namelijk aan de ene kant Live Action Painting en aan de andere Colorfield Painting.
Live Action Painting is wat kunstenaars zoals Jackson Pollock doen, die al eerder genoemd werd. Het gaat om de handeling van het schilderij maken en de gevoelens die hierbij vrijkomen. De techniek “dripping” is een voorbeeld van Live Action Painting. Het verf wordt letterlijk op het doek gedruppeld. Zo krijg je dus, vergelijkbaar met Dadakunst, een werk dat afhangt van toeval. Hoe de verfdruppel op het doek komt kun je wel een beetje beïnvloeden, maar nooit helemaal controleren. Op dezelfde manier kun je verf op het doek gooien, slaan of iets anders. Hier gaat het dan ook echt om het maakproces. Het zal je misschien niet verbazen dat het smijten van verf samengaat met agressie, wanhoop of verdriet. Er komt bij deze techniek dus vaak veel emotie kijken.
Dan heb je ook nog Colorfield Painting. Hierbij wordt dus eerst nagedacht voordat je de verf aanbrengt. Het resulteert uiteindelijk wel in een compleet abstract werk. Vaak bestaat het werk uit geometrische vormen die in één kleur worden aangebracht. Kenmerkend is ook dat de doeken vaak heel groot zijn vergeleken met andere doeken. Ook hier is emotie van belang. Bekende werken die bij deze stroming horen staan erom bekend dat ze een unieke stemming op kunnen roepen. Sommige mensen moeten zelfs huilen als ze naar een werk van Barnett Newman kijken.
Abstract expressionisme van vandaag
Er worden nu nog steeds abstract expressionistische werken gemaakt. De kans is groot dat de kunstenaar in kwestie misschien niet eens doorheeft dat het werk binnen de stroming past. Of misschien gebruikt hij of zij ook nog invloeden van een andere stroming. Tegenwoordig lopen veel stromingen een beetje door elkaar heen. Dat komt mede doordat het klimaat waarin een kunstenaar schildert vandaag de dag heel anders is dan in de vorige eeuw. Veel dingen waren bijvoorbeeld heel brutaal als je die tentoonstelde of ronduit schandalig. Ondertussen zijn we in de 21e eeuw wel gewend geraakt aan de meest choquerende werken. Dat komt mooi uit, want nu kan iedereen naar hartelief schilderen wat hij of zij wil. Of het nu een enorm groot doek is met alle kleuren van de regenboog of een portret van je oma op een klein doekje, het mag allemaal.
Wat is een olieverfschilderij?
Het is een musthave voor iedereen die van knutselen en schilderen houdt en de kans is groot dat jij en veel mensen uit je omgeving er al ooit eens mee in aanraking zijn gekomen: olieverf. Al eeuwenlang wordt olieverf gebruikt door de grote meesters en door hobbyisten, maar waar komt het vandaan, hoe maak je het en wat kun je ermee?
Olieverfschilderijen hebben een mysterieuze geschiedenis
Olieverfschilderijen zijn veelvoorkomend: als je bijvoorbeeld een museum bezoekt, of een schilderij aanschaft is het zeer waarschijnlijk dat het olieverf op doek is. Je hebt nog verschillende andere soorten materialen, zoals acrylverf, krijt, pastel, aquarel of tempera. Olieverf heeft veel verschillende toepassingen, is makkelijk te gebruiken en van goede kwaliteit en daarom zeer populair onder schilders. Al eeuwenlang. Olieverf kent namelijk een lange, mysterieuze geschiedenis. Lange tijd dacht men dat de meester van de Lage Landen, Jan van Eyck, olieverf uitvond in de 15e eeuw. Men dacht dat Van Eyck de uitvinding op zijn naam had staan, omdat hij de verfsoort op een manier gebruikte die nog nooit eerder gezien was. Hij was misschien wel de beste schilder van zijn tijd, want hij kon voorstellingen heel realistisch weergeven. Pas in de 20e eeuw is ontdekt dat dit niet het geval was.
Maar als Jan van Eyck niet de uitvinder bleek te zijn, wie was dat dan wel? Die vraag blijft tot op de dag van vandaag onbeantwoord. Inmiddels weten we dat olieverf al ver voor de tijd van Jan van Eyck gebruikt werd. De vroegste voorbeelden van het gebruik van olieverf zijn gevonden in het oosten en dateren uit de 5e eeuw voor Christus. De monniken gebruikten ook al olieverf in de 12e eeuw en vervolgens werd het veelvuldig gebruikt door Italiaanse schilders. De echte uitvinder is dus nog steeds onbekend, maar het is duidelijk dat olieverfschilderijen al sinds mensenheugenis populair zijn.
Op zoek naar de beste verf
Nu weten we hoe lang het al gebruikt wordt, is het de vraag hoe het gebruikt wordt. Een materiaal dat al zo lang bestaat en nog steeds gebruikt wordt, moet wel heel goed zijn. Verf bestaat uit kleurpigment en een bindmiddel. In het geval van olieverf, de naam zegt het al, is olie het bindmiddel. Vaak wordt er lijnolie gebruikt, geperst uit lijnzaad. Olieverf met lijnzaad wordt een beetje gelig wanneer het opdroogt. Dus gebruikt men voor lichtere kleuren andere oliën, zoals walnootolie, maisolie of zonnebloemolie. Vroeger werden er andere bindmiddelen gebruikt. Voor de verfsoort tempera werd vooral eigeel gebruikt. Eitempera was voor de komst van olieverf heel populair. Tempera schilderijen hebben, net als olieverfschilderijen, de tand des tijds overleefd.
Tegenwoordig kunnen we alle kleuren maken die we willen, maar vroeger was dat niet het geval. De kleuren waren afkomstig uit de natuur. Planten, dieren, stenen en mineralen voorzagen schilders van de pigmenten. Vaak moesten de materialen nog bewerkt worden. Koper werd bijvoorbeeld bewerkt met zuur, zodat er een groen kleurpigment ontstond. Sommige pigmenten waren giftig of heel duur, maar toch werden ze gebruikt, omdat er maar zo weinig kleuren beschikbaar waren. Zo zie je maar dat het kunstenaarsleven niet over rozen ging!
Aan de slag met olieverf
Olieverf heeft oneindig veel toepassingen. Je kunt het gebruiken op canvas, hout, karton en textiel. In veel gevallen is het raadzaam om de ondergrond eerst te bewerken, zodat de verf beter hecht of niet in het materiaal gezogen wordt. Vervolgens kun je het met van alles aanbrengen. Natuurlijk is het logisch om een kwast of penseel te gebruiken. Vroeger moest je dure penselen kopen met dierenharen, maar tegenwoordig heb je veel goedkopere varianten. Ook nog een diervriendelijk! Omdat olieverf textuur aan kan brengen, kun je het ook heel dik op de ondergrond laten zitten. Je hoeft dus niet verfijnd te werk te gaan, je kunt dikke klodders achterlaten die ook zo opdrogen.
Olieverf heeft heel veel verschillende eigenschappen: je kunt het verdunnen en verdikken, zodat de verf naar jouw wens is. De ene verf is transparanter dan de andere; dat ligt aan het pigment. Dit betekent dat je transparante lagen aan kan brengen of juist hele dekkende lagen. Wanneer je een dikke laag verf aanbrengt, zal deze op dezelfde manier opdrogen en zo kun je dus structuur aanbrengen in het schilderij. Dan zijn er nog verschillende technieken waar olieverf zich voor leent, zoals marmeren. Misschien heb je deze techniek al wel eens voorbij zien komen. Marmeren houdt in dat je olieverf druppelt in een bak met transparante vloeistof. Als je er dan een ondergrond in legt, krijg je een soort van marmerpatroon. Wanneer je schilderij klaar is, moet het lang drogen. Het voordeel hieraan is, is dat je nog een aantal dagen hebt om aanpassingen aan te brengen en je werk te perfectioneren. Tenslotte is olieverf van goede kwaliteit en heel duurzaam: je kunt heel lang doen met een tube en als de verf eenmaal op het doek zit, zal het heel lang overleven.
Je kunt dus alle kanten op met olieverf en daarnaast kent de verf een hele rijke geschiedenis, wat alleen maar betekent dat de verf extra bijzonder is. Niet alleen overleeft de verf op doek, olieverf is nog steeds het favoriete materiaal van veel kunstenaars. Er worden tegenwoordig dus nog steeds heel veel mooie olieverfschilderijen gemaakt en niet voor niets!
Wat is abstracte kunst?
Al eerder kon je in onze blog lezen over hoe de uitvinding van fotografie de weg vrij heeft gemaakt voor het ontstaan van de abstracte kunst, maar het heeft een lange tijd geduurd voordat abstracte kunst zich ontwikkeld heeft tot de kunstvorm die wij vandaag kennen. Hieronder lees je meer over de geschiedenis van de abstracte kunst, de bekendste stromingen en hoe we deze kunst in Nederland terugzien.
Vroeger tot nu
Al voor het tijdperk waarin fotografie uitgevonden werd, was er sprake van abstracte kunst. In de prehistorie moest men zich namelijk al dingen gaan ‘verbeelden’. In zekere zin was er nog niks en dus moest alles bedacht worden. Denk maar aan de schrijftaal. Vandaag de dag worden letters door iedereen herkend, maar er was een tijd waarin letters nog niet bestonden. Hetzelfde geldt voor het bedenken van gereedschap: een simpele hamer was voordat deze uitgevonden werd nog een abstract verzinsel.
Na jarenlang verbeelden en bedenken was er tijdens de Middeleeuwen al een heleboel. Toen was het zo dat veel mensen niet konden lezen en daardoor moest dus alles in beelden worden verteld. Het verhaal van de bijbel werd geschilderd of gebeeldhouwd zodat mensen het konden bekijken in plaats van lezen. Voor de joodse en islamitische cultuur was streng verboden om godsdienstigen af te beelden. Daarom werd er binnen deze culturen ook veel meer verbeeld.
Vervolgens was daar dus de uitvinding van de fotografie in de 20e eeuw. Dankzij deze uitvinding konden kunstenaars helemaal hun eigen gang gaan, want fotografie kon gebruikt worden voor de wetenschap. Tijdens de prehistorie en Middeleeuwen was het zo dat men zich noodgedwongen moest richten tot de abstracte kunst. In het tijdperk van het postmodernisme kon men voor het eerst de realiteit loslaten vanwege creativiteit. Schilders maakten niet van de ene op de andere dag compleet abstracte werken, dit ging met een langzame ontwikkeling. Schilders begonnen met lichte vervormingen en het gebruiken van onrealistische kleuren. De kunstenaars durfden hierin steeds verder te gaan.
Zij gebruikten abstracte kunst om hun gevoelens te uiten en om kritiek te leveren op de maatschappij.
Een onderverdeling
Abstracte kunst is simpel gezegd het tegenovergestelde van realistische kunst. De werkelijkheid wordt losgelaten en het werk spreekt de verbeelding van de toeschouwer aan. Bij abstracte kunst denk je al snel aan nietszeggende vormen in gekke kleuren waar niets in te herkennen valt. Abstracte kunst kan ook zeker wel herkenbare vormen afbeelden. Dit noemen we “abstraheren”. Een vorm wordt versimpeld of veranderd zodat hij niet meer voldoet aan het beeld wat we uit de realiteit kennen. Zo is bijvoorbeeld Piet Mondriaan begonnen met het abstraheren van een boom en kwam uiteindelijk uit op de schilderijen waarvan de meeste mensen hem zullen kennen en waarin enkel lijnen en primaire kleuren te zien zijn.
Binnen de abstracte kunst zijn er een heleboel stromingen te onderscheiden. Te beginnen met het impressionisme, waar we Van Gogh van kennen. Vervolgens traden fauvisten als Gauguin en kubisten zoals Cézanne in de voetsporen van de impressionisten. In Rusland kwam het suprematisme, rayonisme en constructivisme op. In Amerika het (abstract) expressionisme en in Frankrijk het orphisme. Zo kunnen we nog wel even doorgaan. Er zijn ontelbaar veel variaties en vormen binnen de abstracte kunst. Het makkelijkst is om ze in te delen in twee groepen: het abstract expressionisme en het geometrisch abstracte.
Het abstract expressionisme, dat dus zijn oorsprong in Noord-Amerika vindt, gaat meer om het maakproces dan om het eindresultaat. Verschillende technieken zijn binnen deze stroming ontstaan, bijvoorbeeld “dripping”, waar we Jackson Pollock van kennen. De werken die het abstract expressionisme voortbrengt zijn vaak groot en indrukwekkend en gaan vooral om gevoelens uiten. Het geometrisch abstracte neemt een meer wetenschappelijke positie in in vergelijking met het abstract expressionisme. Schilders die binnen deze groep vallen gebruiken abstracte kunst vaak om een (politiek) statement te maken en focussen zich op de compositie. Voorbeelden van stromingen binnen deze groep zijn het kubisme, suprematisme, constructivisme en neoplasticisme.
Abstracte kunst in Nederland
Nederland heeft niet alleen tijdens de Gouden Eeuw meesters voortgebracht, ook tijdens de opkomst van de abstracte kunst zijn er een aantal Nederlandse kunstenaars belangrijk geweest. Zo bijvoorbeeld Piet Mondriaan. Nog steeds zien we zijn invloeden terug in het dagelijks leven, denk aan treinen en interieuren. Samen met Theo van Doesburg en Bart van Leck maakte hij tijdschriften met poëzie, meubels en schilderijen die wereldberoemd zijn geworden. Daarnaast had je de COBRA-beweging. Een groep met schilders uit Kopenhagen, Brussel en Amsterdam en waar Karel Appel deel van uitmaakte. Ook zijn schilderijen ken je misschien nog wel. Tekeningen van kinderfiguren of fantasiedieren die met dikke lagen verf aangebracht zijn. Tenslotte is er de Nederlandse schilder en beeldhouwer Willem de Kooning. Hij bracht een groot deel van zijn leven door in de VS en de werken die hij maakte passen dan ook binnen het abstract expressionisme.
Alhoewel abstracte kunst populairder is dan ooit tevoren, je ziet dat dit lang geduurd heeft. Daarom zijn werken uit de eerste dagen van de abstracte kunst nog steeds wereldberoemd. Nu je wat meer weet over de geschiedenis, ben je misschien ook wel een fan geworden. In de webshop vind je een selectie aan moderne en abstracte schilderijen. Kijk eens of er iets voor jou bij zit.
Wat is fotografiekunst?
Tegenwoordig heeft bijna iedereen een mobieltje waarmee foto’s gemaakt kunnen worden. Soms zijn deze nog scherper dan wanneer je ze met een camera maakt. Maar betekent dat dan dat iedereen een fotograaf is? En wanneer is een foto dan een kunstwerk? De vakantiefoto’s van afgelopen zomer zijn vaak geen foto’s die je terugvindt in een kunstgalerij. Wat een foto tot een kunstwerk maakt (of juist niet), de geschiedenis van de foto en wat fotografie voor de kunstwereld betekend heeft lees je hieronder.
Functionele foto’s
In 1826 werd de eerste foto gemaakt. Je kunt je voorstellen dat die foto niet te vergelijken is met de foto’s van vandaag de dag: korrelig, wazig en zwart-wit. Toendertijd was deze uitvinding vooral technisch en werd fotografie gebruikt voor de wetenschap. Aan fotografie was in principe dus niks kunstzinnigs. Juist niet. Er werd bijvoorbeeld eindelijk antwoord gevonden op de vraag hoe een paard nu precies galoppeerd.
In die zin verving fotografie deels de schilderkunst. Schilders maakten in die tijd natuurlijk al schilderijen als kunst, maar ondersteunden ook de wetenschap. Ze maakten bijvoorbeeld schilderijen van het menselijk lichaam en schilderden en tekenden kaarten. Daarnaast werd de schilderkunst gebruikt om verhalen te vertellen. Heel lang geleden waren schilders cruciaal voor de Kerk. In de Middeleeuwen waren er namelijk veel mensen die niet konden lezen, maar wel het bijbelse verhaal wilden weten. Schilders konden hen uit de brand helpen door het verhaal af te beelden in plaats van op te schrijven.
Schilderkunst bloeit op
Doordat schilders zich nu in principe niet meer bezig hoefden te houden met iets anders dan kunstwerken maken, kon de schilderkunst zich gaan ontwikkelen en realisme loslaten. Schilderijen hoefden niet meer realistisch te zijn, omdat fotografie dat toch al was. De kunst uit deze tijd noemen we het modernisme en omvat veel verschillende stromingen. Zo kon het impressionisme bijvoorbeeld opkomen, waar we Van Gogh van kennen. Het impressionisme is interessant omdat het zich afzet van, maar ook samenhangt met fotografie. Impressionistische schilderijen geven een, zoals de naam al aangeeft, impressie weer. De schilderijen zijn dus snel geschilderd, om zo een bepaald moment te kunnen vangen. De precieze details zijn hier niet belangrijk, maar veranderlijke dingen als de lichtinval wel. En zo werd ook de abstracte kunst geboren. In plaats van een vervormde werkelijkheid, lieten schilders de werkelijkheid helemaal los en gingen ze experimenteren met dromen weergeven, muziek uitbeelden of ze schilderden zelfs enkel een wit vierkant op een wit doek.
Fotografie als kunst
Fotografie bood dus nieuwe wegen voor de techniek, wetenschap en kunst. Maar hoe zit het dan met fotografie als kunstvorm? Zoals met alles wilden mensen op welke manieren fotografie gebruikt kon worden. Op dit punt was er een samenkomst van fotografie- en schilderkunst. Kunstromingen zoals impressionisme waren niet relevant voor fotografen, maar stromingen zoals het surrealisme dan weer wel. Een kunstenaar die grensverleggende surrealistische foto’s maakte was Man Ray. Met behulp van lichtinval en bepaalde nieuwe technieken kon hij het menselijk lichaam vervormd weergeven. Hierdoor vraagt de kijker zich af waar hij naar kijkt. Daarnaast werden alledaagse objecten en taferelen zodanig vastgelegd dat de kijker er op een nieuwe manier naar keek. Ook werd er veel gefilosofeerd over fotografie als kunst. Het riep dezelfde vragen op als bij het bekende werk Ceci n’est pas une pipe van Margritte: kijken we naar een voorwerp of een afbeelding van een voorwerp? En is fotografie echt kunst of is het enkel het vastleggen van wat we voor ons zien?
Deze discussie is vandaag de dag nog steeds niet ten einde. Aan de ene kant vindt men een foto niet meer dan een documentatie van datgene wat de fotograaf voor zich ziet. Daarbij is een foto minder waard dan een schilderij. Ten eerste kun je een foto maken met één druk op de knop en deze vervolgens afdrukken. Een schilderij vergt veel meer aandacht. Ieder detail moet met de hand worden aangebracht. Daarnaast heb je aan het einde van de rit één schilderij, maar je kunt een foto oneindig blijven afdrukken. En wat voor alles geldt, geldt ook in dit geval: hoe meer exemplaren er verkrijgbaar zijn, hoe minder waardevol een exemplaar wordt. Aan de andere kant is er een groep die vindt dat fotografie wel degelijk een kunstvorm is. Je kunt foto’s manipuleren nadat ze genomen zijn en je kunt mensen op een andere manier naar dingen laten kijken. Vandaag de dag krijgen kunstfotografen veel meer waardering dan ze vroeger kregen. En terecht. Ook al heb je een camera tot je beschikking, er is ook een goed oog en een kunstzinnig brein nodig om een foto tot een kunstwerk te maken.
Digitale fotografie
Zoals je kon lezen is het al heel lang mogelijk om foto’s te bewerken, Man Ray deed dit namelijk al in de jaren ‘20, toen de fotografie nog niet eens zo heel lang bestond. Toen moest je de foto’s ook nog in een donkere kamer ontwikkelen. Tegenwoordig is het veel makkelijker om foto’s te maken en om ze te bewerken. Je maakt een foto met je telefoon, gooit er een filter overheen en voegt een smiley toe en klaar is je nieuwe profielfoto. Zo gaat het ook in de kunst. Sommige fotografen maken foto’s met een analoge camera en ontwikkelen de negatieven handmatig, maar sommigen drukken net zoals jij op een knopje op hun smartphone en doen alles digitaal. Dankzij alle technologische ontwikkelen is het niet alleen mogelijk om bestaande afbeeldingen te bewerken, je kunt ook van alles maken, weghalen en toevoegen. Wanneer je uit het niets een afbeelding creëert is het natuurlijk geen fotografie meer, maar digitale kunst. Maar de mogelijkheid om zoveel te kunnen bewerken biedt ook een nieuwe dimensie aan fotografiekunst. Ook hier kun je weer vragen stellen, want wanneer is iets digitale kunst en wanneer is het fotografie?
Nu je wat meer weet over de geschiedenis van de fotografie en de invloed van fotografie op schilderkunst en andersom kun je zelf de discussie aangaan over fotografie, kunst en alles wat ermee te maken heeft. Wat vind jij?
Een industriële woning inrichten doe je zo!
Een industriële woonstijl: je ziet het tegenwoordig overal. Maar wat is het nu eigenlijk? En hoe kun jij deze je woning zo inrichten dat je hetzelfde effect bereikt? Een industriele woonstijl is veelzijdig en past daarnaast goed binnen een beperkt budget. Lees hieronder meer over de stoere, hippe stijl.
Kenmerken
Een industriële woningstijl is gebaseerd op de sfeer en de inrichting van fabrieksgebouwen uit de 19e en 20e eeuw. Toendertijd ging men niet voor wat mooi was, maar juist voor wat praktisch was. Een beschadigde muur of zichtbare leiding of kabel was dus niet zo’n ramp. Precies hetzelfde geldt voor de populaire stijl die vandaag de dag super modern oogt. Een industrieel interieur heeft een ruige, stoere en cleane uitstraling: de inrichting is minimalistisch, maar wel uitgesproken. Er wordt veel gewerkt met ruwe materialen. Denk dus aan hout, metaal en beton. Een industriële inrichting betekent dat de materialen waarvan meubels gemaakt zijn, niet verborgen hoeven te worden. Er hoeft dus geen vloerbedekking over de betonnen vloer en een muur hoeft niet opnieuw gestuct te worden. Het rauwe, onbewerkte randje is juist een must voor deze inrichting.
Dit zijn de grote richtlijnen die een inrichting industrieel maken. Daarbinnen kun je alle kanten op. Je kunt het superstrak houden of je kunt kleur toevoegen. Qua decoratie biedt deze woonstijl een leeg canvas: vintage, modern, minimalistisch – het past allemaal binnen deze inrichting. Tip: omdat een industriële stijl het goed doet in ruime woningen, passen grote schilderijen en robuuste items beter dan allerlei kleine spulletjes. Ga dus op zoek naar eyecatchers. Zoals gezegd: alles kan, dus laat je fantasie de vrije loop en kies bijvoorbeeld een humoristisch beeld of een kleurrijk en groot schilderij.
In je eigen huis
Nu je een beetje weet hoe een industriële stijl eruit ziet, kun je dit gaan realiseren in je eigen woning. Ben je net verhuisd? Dat betekent dat je niet alles tot in de puntjes opnieuw hoeft te verven of behangen, een nieuwe vloer hoeft misschien ook niet. Het ligt eraan wat de status van de woning is. Zorg wel dat er een paar oppervlaktes zijn die clean en fris ogen. Je wilt natuurlijk dat mensen denken dat je in een bouwval woont. Wil je een industriële inrichting realiseren in je huidige woning? Ga back to basic: wat ligt er onder het laminaat? En wat schuilt er achter het behang? Misschien kun je iets weghalen en zo een ruwe, stoere ondergrond tevoorschijn laten komen. Creëer daarnaast zoveel mogelijk ruimte. Zo min mogelijk muren en deuren, hoge plafonds en veel glas geven je het gevoel dat je je in een loft bevindt. Probeer dit effect waar mogelijk in je eigen woning te bereiken.
Vervolgens kun je je eigen twist geven aan het interieur. Wanneer je veel met wit werkt, houd je het strak. Kleuren als donkerblauw, donkerpaars en groene tinten geven warmte aan de ruimte en passen ideaal bij de industriële stijl. Een combinatie van deze twee geven frisheid aan de woning. Deze kleuren vormen de basis voor de rest van het interieur en bieden een uitgangspunt voor de accessoires die je toe kunt voegen. Groene planten zijn altijd een goed idee. Ze passen goed bij een industrieel interieur en voegen wat organisch toe. Zoek daarnaast met zorg de juiste lampen en stoelen uit: deze bereiken makkelijk heel veel effect. Verder kun je met verschillende materialen spelen: gebruik verschillende soorten hout of voeg juist zachte en luxe stoffen toe voor een zachter effect.
Budget tips & tricks
Het leuke aan een industriële woonstijl is dat het allemaal niet zo verfijnd hoeft te zijn. Dat betekent dus de ideale gelegenheid voor wat DIY projectjes! Knutsel bijvoorbeeld je eigen lampenkap, bijzettafeltje, opbergers en veel meer. Een leuke, goedkope bezigheid waar je vervolgens heel lang plezier van hebt. Daarnaast kun je misschien ook wel een heleboel oude meubels hergebruiken. De oude bank van je oma die je eerst heel stoffig leek, kan het pronkstuk vormen in je nieuwe interieur. Misschien heb je op zolder nog andere items liggen, zoals een typemachine of vind je een grappig uithangbord op een rommelmarkt. Dit zijn namelijk perfecte decoratiestukken voor een industriële woning en zijn vaak goedkoop op de kop te tikken.
Tip: Heb je niet het geluk dat er een stenen muur aanwezig is, maar wil je ditzelfde effect bereiken? Je kunt zelf een soort stempel maken, waarmee je de voegen van een bakstenen muur nabootst. Er is ook behang verkrijgbaar met eenzelfde print. Met steenstrips hoef je niet je hele woning te verbouwen en bereik je hetzelfde effect als bij een echte stenen muur. Deze strips plak je op de muur, maar springen er letterlijk en figuurlijk uit. Ze zijn namelijk van steen gemaakt!
Een industriële woning biedt voor ieder wat wils: het raakt je niet te hard in je portemonnee, want het biedt je de kans om heel veel materialen en spullen opnieuw te ontdekken. Daarnaast kun je het helemaal naar jouw eigen smaak inrichten. Een beeld van een hond? Een lamp in een gekke kleur? Het kan allemaal! Kijk eens in de webshop voor schilderijen die perfect als eyecatcher gebruikt kunnen worden in een industrieel interieur. Binnen no time heeft iedereen het over jouw te gekke inrichting.
Je slaapkamer inrichten doe je zo!
Als je, zoals het hoort, 8 uur per nacht slaapt, betekent dat dat je heel wat uurtjes in je slaapkamer doorbrengt. Natuurlijk is het dan van belang dat je slaapkamer ingericht is zoals jij dat wil. Dit kan makkelijker gezegd zijn dan gedaan. Daarom zijn hieronder wat tips en tricks opgesteld voor slaapkamer inspiratie.
Denk na over de inrichting
Denk, voordat je begint met kopen, klussen en inrichten, na over hoe het eruit moet komen te zien. Dit kan afhankelijk zijn aan de kamer; is het een grote of een kleine kamer of zitten er schuine daken of gekke hoekjes in? Er zijn een heleboel verschillende stijlen die je toe kan passen in je slaapkamer. De thema’s hieronder zijn de populairste en meest toegankelijke, misschien wat voor jou?
Een klassieke slaapkamer straalt eenvoud en rust uit, maar ook luxe. Ga dus voor kleuren als beige, lichtgrijs, lichtroze en lichtblauw. Houd het simpel en voeg mooie, zachte details toe, zoals een mooie lamp, een zacht kleed of gordijnen van een luxueuze stof.
Bij een moderne slaapkamer houd je het strak. Vergelijkbaar met de klassieke slaapkamer maak je het af met stijlvolle details zoals een design lamp of spiegel. Het kleurenpalet is hier wat killer. Denk aan antraciet, wit, ijsblauw en flesgroen.
Landelijke slaapkamers vullen zich met robuuste meubels en natuurlijke materialen. Voeg niet te veel accessoires toe, maak gebruik van de kamer zelf. Een landelijke stijl sluit perfect aan bij een kamer met veel hout. Zet een bed in het midden van de kamer, voeg een mooie stoel toe en je bent klaar.
Voor de romantische types: een slaapkamer waar je letterlijk en figuurlijk in weg kan dromen. Gebruik warme kleuren, zoals oud- en lichtroze, rood en bruin. Een hemelbed staat geweldig in een romantische kamer, evenals veel luxueuze en zachte accessoires, zoals een kroonluchter en veel gouden details. Je kunt het zo duur maken als je zelf wil, maar met een paar gouden accessoires en schattige lichtjes ben je ook al op de goede weg.
Het tegenovergestelde van een romantische kamer is een slaapkamer in industriële stijl. Gebruik veel materialen als hout, staal en steen en plaats dit in een aansluitend kleurenpalet. Een industriële kamer kan al snel kil lijken, maar als je de juiste accessoires toevoegt hoeft dit zeker niet het geval te zijn. Voeg persoonlijke foto’s of boeken toe of een leuke lampensnoer voor wat gezelligheid.
Lekker slapen
Het allerbelangrijkste aan je slaapkamer is natuurlijk datgene waarin je slaapt: je bed. Wanneer je een nieuw bed wil, moet je nadenken over het formaat, het type matras, het beddengoed en het bed zelf. Het bed is bepalend voor de rest van de slaapkamer, qua ruimte en qua inrichting. Tenslotte is het bed belangrijk, omdat je erin moet slapen! Het bed moet ondanks al het andere comfortabel zijn.
Het beddengoed moet je dus ook zeker niet vergeten. Denk bijvoorbeeld na over je dekbedovertrek. Kijk naar de stof, de afmetingen en de kleur of het patroon voordat je een keuze maakt. Een katoenen dekbedovertrek is een populaire en een goede keus: katoen is relatief goedkoop, maar de kwaliteit is goed. Daarnaast biedt katoen verkoeling in de zomer en het houdt je warm in de winter. Voor de koukleumen onder ons is een flanellen overtrek een goed idee. Tenslotte geeft satijn een luxueuze uitstraling en slaapt heel lekker.
Tenslotte is je nachtrust deels afhankelijk van het licht in de kamer. Het is bewezen dat een donkere kamer het meest rustgevend is. Sommige mensen vallen onder iedere omstandigheid in slaap en dan zal het dus niet zo heel veel uitmaken. Denk goed na over wat voor een slaaptype jij bent voordat je de verduistering uitkiest. Witte gordijntjes kunnen heel mooi zijn, maar als je er vervolgens niet door kunt slapen is het zonde. Daarnaast is licht ook bepalend voor de sfeer in de kamer. Veel daglicht, en dus grote of veel ramen, is altijd positief. Het zorgt ervoor dat je de kamer goed kan ventileren en overdag zorgt natuurlijk licht voor frisheid en ’s avonds voor gezelligheid.
Ruimte
Er zijn een heleboel trucjes om meer ruimte te creëren of om de kamer hoger of groter te laten lijken. Ook hier zijn de ramen van belang. Wanneer je veel ramen in je kamer hebt, lijkt de kamer al meteen een stuk ruimer. Met de gordijnen kun je dit effect versterken. Gordijnen die de hele muur bedekken, dus van het plafond tot aan de grond, laten de kamer groter lijken. Met spiegels creëer je diepte en wanneer je het plafond een paar tinten lichter maakt dan de muren creëer je hoogte.
Een heleboel goede tips dus, maar misschien is de beste tip wel het simpelst: houd je kamer netjes. Wanneer je kamer opgeruimd is, lijkt de ruimte groter en daarnaast straalt hij meer rust uit. Benut de ruimte goed en neem bijvoorbeeld een bed met lades onderin, deze nemen geen extra ruimte in beslag en geven je veel extra opbergruimte. Zo zijn er een heleboel andere manieren om loze ruimte te benutten om spullen op te bergen. Voor kleine kamers kun je zoveel mogelijk de hoogte gebruiken en de achterkant van de deur.
Tenslotte is het belangrijk om niet te veel decoratie te gebruiken. Je kamer kan er rommelig door lijken, ook al is het decoratief. Denk eens aan een kunstwerk of een mooie poster. Met een afbeelding van natuuraanzicht breng je rust in je slaapkamer evenals ruimte. De kamer lijkt groter en afhankelijk van de tinten en van de afbeelding geef je je kamer de rust die je meemaakt als je in het bos loopt of de frisheid van de oceaan. Daarnaast ben je qua decoratie al een heel eind.
Er zijn een heleboel manieren om je slaapkamer in te richten. Kijk eens op internet of bezoek een showroom. Bepaal of je een rustige slaapkamer wil of een slaapkamer die je wat pit geeft wanneer je op moet staan. Met bovenstaande tips ben je al op de helft, maar het uiteindelijke inrichten begint bij jezelf!
Welk schilderij past bij mij?
Beeldende kunst is overal te zien en te vinden, maar heb je zelf wel eens naar een geschikt werk gezocht? Het kan lastiger zijn dan het lijkt. Waar moet je bijvoorbeeld zoeken en op welke manier past het in jouw interieur? Hieronder vind je verschillende tips die je op weg helpen bij het kiezen van een schilderij.
Waarom?
Ten eerste stel je jezelf de vraag waarom je een schilderij wil? Deze vraag is heel bepalend en het antwoord kan je zoektocht veel makkelijker maken. Er zijn verschillende redenen mogelijk. Zo kun je bijvoorbeeld op zoek zijn naar iets wat je interieur compleet maakt, maar je kunt ook zoeken naar een werk dat de basis vormt voor je interieur of een blikvanger toevoegen in je woon-, slaap-, badkamer of keuken. Denk hier goed over na alvorens je op zoek gaat naar een schilderij.
Waar moet je op letten?
Nu je hebt vastgesteld waarom je op zoek bent naar een schilderij, kun je al een stuk gerichter gaan zoeken. Het is vervolgens belangrijk om te weten waar je het schilderij op wil hangen. Om welke kamer gaat het het, waar in de kamer wil je het schilderij ophangen en bij welke kleuren moet het passen. De hoogte is natuurlijk ook niet onbelangrijk. Tip: een gangbare hoogte is museumhoogte. Museumhoogte is 140 cm, dit is ongeveer ooghoogte. Wanneer jij wil dat het werk hoger of lager hangt, doe dan vooral wat jij zelf het mooiste vindt.
Denk na over wat je budget is en ga in een bepaalde prijscategorie op zoek. Zo voorkom je teleurstellingen en een mooi schilderij hoeft niet duur te zijn!
Tenslotte moet je de lijst ook zeker niet vergeten. Dit deel kan onbelangrijk lijken, maar kan het hele effect van het door jou gekozen schilderij te niet doen. Kies daarom voor een lijst die niet te veel in het oog springt en bij het schilderij past qua stijl en kleur. De lijst moet harmonieus aansluiten op het werk en de aandacht niet afleiden.
Wat voor een schilderij?
Er zijn, zoals je misschien al weet, heel veel verschillende stijlen als het op schilderijen aankomt. Een belangrijk onderscheid is figuratief en abstract, oftewel kun je de vormen herkennen of niet? Schilderijen kunnen simpel en eenvoudig zijn, of ze kunnen juist een statement piece zijn. Denk na over wat bij jou past en wat je graag in je interieur terug wil zien.
Daarnaast is het formaat veelzeggend. Afbeeldingen van gebouwen, landschappen of het menselijk lichaam komen vaak mooier uit op grotere werken. Een groot/breed schilderij past goed op een grote/brede muur en kan de ruimte groter laten lijken. Een smal schilderij past goed op een smalle muur en is goed voor drukkere afbeeldingen met veel details. Meerdere werken boven elkaar laten de ruimte hoger lijken. Meerluiken geven daarbij een moderne uitstraling.
Het is heel belangrijk om iets te kiezen wat je zelf ook echt mooi vindt. Iets kan qua prijs geschikt zijn en het perfecte formaat en de juiste kleur hebben, maar je moet het er zelf ook mee eens zijn.
Een stilleven in je woonkamer
Heb je geen idee wat je mooi vindt of wat er allemaal te vinden is? Bezoek eens een museum! Tip: bezoek een museum of galerij waar meerdere exposities en kunstenaars getoond worden, zo krijg je een variëteit aan stijlen, kleuren en het effect van verschillende formaten te zien. Natuurlijk zijn de werken die in een museum hangen tamelijk prijzig, maar je zou wel inspiratie op kunnen doen en op zoek gaan naar de stijl de bij jouw smaak past.
Daarnaast is er op MyNewArt ook van alles te vinden. Zoek naar kunstenaars of kunststromingen die je aanspreken. Per kunstenaar of stroming zijn er veel verschillende kleurpaletten en stijlen te vinden. Ook op deze manier kun je erachter komen wat je leuk vindt en wat voor iets je graag in jouw interieur zou willen zien.
Houd je niet zo van kunst, maar wil je gewoon iets om je woon- of slaapkamer op te vrolijken? Laat je niet te snel afschrikken, kunst kan heel leuk zijn! Je hoeft niet half Nederland af te reizen om kunst te zien. In veel dorpen en steden worden er regelmatig (gratis) evenementen georganiseerd, zoals festivals of kunstroutes. Wie weet houd je er nog een nieuwe hobby aan over!
Zoals je ziet zijn er een heleboel dingen waar je op moet letten of die het kiezen juist makkelijker kunnen maken. Denk na over wat jij mooi vindt en waar het schilderij komt te hangen. Ga uitgebreid op zoek naar inspiratie zodat je goed weet wat bij jou past. Stel daarna vast aan welke eisen het schilderij moet voldoen, zodat je je zoektocht gerichter kan maken. Aan het eind van de dag is er één ding het allerbelangrijkst: wat vind je zelf? Iets kan tegen alle verwachtingen ingaan, maar als het jou aanspreekt is het de juiste keus.
Wat is een stilleven?
Een stilleven is, zoals de naam al zegt, een weergave van een stilstaand stukje uit het dagelijks leven. De objecten die te zien zijn kun je vaak, maar niet altijd, herkennen uit het dagelijks leven. Stillevens komen in schilderijen, maar ook in tekeningen en foto’s. De oorsprong van dit genre ligt in de 16e eeuw en was populair door heel Europa, maar vooral in Nederland kent het stilleven een rijke geschiedenis.
Het stilleven als genre
In de 16e eeuw werden stillevens gebruikt als oefening voor schilders in opleiding. Zo konden zij werken aan een natuurgetrouwe weergave en stofuitdrukking. Hierbij wordt er aandacht geschonken aan het gedetailleerd weergeven van texturen en oppervlaktes. Het duurde lang voordat het genre werd gewaardeerd op de manier waarop we dat vandaag de dag doen. De interesse voor stillevens hing samen met het feit dat er in de 17e eeuw meer vraag kwam naar genre- en historiestukken en werken waar de natuur en kostbare voorwerpen in het middelpunt stonden. Stillevens werden geschilderd in een groot deel van Noord-Europa, bijvoorbeeld in Engeland en Frankrijk. De schilders in Vlaanderen beïnvloedden de Nederlandse schilders. In Haarlem, om precies te zijn. Hier kwam meer aandacht voor stillevens en schilders Pieter Claesz en Jan Claesz Heda maakten zich het afbeelden van stoffen, glazen en lichteffecten op zilverwerk meester. De schilders specialiseerden zich in zogenaamde “ontbijtjes” of “banketjes”, waarop etenswaren te zien zijn die je veelal tijdens het ontbijt opeet, zoals melk, kaas en brood. En zo was daar het begin van stillevens als echt genre.
De populairste stillevens
Er was een enorme vraag naar deze werken en het aantal schilders groeide mee. De schilders specialiseerden zich in verschillende type stillevens. Zo werden er na 1650 pronkstillevens geschilderd, veel minder sober dan de ontbijtjes, met donkere kleuren, weelderige vruchten en exotische objecten. Jachtstillevens werden populair, net als bloemstillevens en vanitas-stillevens.
Stillevens laten vaak techniek zien. Vooral in Nederland waren de schilders goed in het weergeven van glanzende oppervlakken, luxe stoffen en andere texturen. Dit is goed terug te zien in de jachtstillevens en pronkstukken, waar verschillende soorten objecten getoond worden, zoals kristallen en zilverwerk, maar ook dieren, bloemen, dranken en stoffen — een rijk scala aan verschillende texturen en de schilders wisten deze allemaal af te beelden alsof je ze zo aan kon raken en op kon pakken. Hetzelfde geldt voor vanitas-schilderijen, alleen laten deze wat duistere objecten zien, zoals schedels en gedoofde kaarsen. Tenslotte waren bloemstillevens heel populair. In het begin werden er veelal individuele bloemen geschilderd, maar al snel werden dit weelderige en asymmetrische boeketten. Zo kwam er meer aandacht voor lichtinval en dieptewerking. Deze stillevens waren duur, omdat bloemen in die tijd zeldzaam waren en er veel techniek kwam kijken bij het schilderen van bloemstillevens. Schilders die technisch en vaardig genoeg waren om de bloemen realistisch weer te geven werden geloofd door heel Europa.
De verborgen boodschap
Naast techniek is er in stillevens heel veel symboliek te ontdekken. De sobere ontbijtjes bevatten een calvinistische waarschuwing tegen overdaad en luxe. De vanitas-stillevens laten de vergankelijkheid van het leven zien: rijkdom en overvloed zijn niet belangrijk wanneer je overlijd, daarom moet je de dood altijd in het achterhoofd houden, dit noem je “memento mori”. Waar sommige dingen voor de hand liggend kunnen zijn, zijn sommige voorwerpen juist dubbelzinnig. Een vrucht kan voor allerlei dingen staan. Een vrucht vergaat snel, dus zou het bij de vanitas voorwerpen kunnen passen. Een vrucht kan ook voor vruchtbaarheid staan, een bijbels verhaal representeren of rijkdom symboliseren. Dit laat wederom zien dat de compositie in een stilleven uitermate belangrijk is. Elementen hangen met elkaar samen en geven de kijker een waarschuwing of boodschap. Soms kan het zelfs een compleet verhaal bevatten. Dit is wat stillevens uitermate interessant maakt: hoe langer je kijkt, hoe meer je kan ontdekken.
Een stilleven in je woonkamer
Zoals je ziet, kun je met een stilleven alle kanten op. In de 17e en 18e eeuw waren de stillevens traditioneel, maar was er al ook een breed spectrum aan kleurrijke, donkere, sobere of weelderige stillevens. Tegenwoordig worden er nog steeds stillevens gemaakt. Bij deze stillevens zie je ook invloeden van andere kunststromingen. In de 20e eeuw was er namelijk een grote opkomst van postmoderne stromingen. Er werd geëxperimenteerd met vorm en kleur. Stillevens werden niet meer zo conventioneel afgebeeld, maar nog steeds werd er veel aandacht besteed aan de compositie en de lichtinval. Schilders uit de 19e en 20e eeuw lieten stromingen als kubisme en impressionisme terugkomen. Tegenwoordig zien we zoal hyperrealisme en surrealisme in stillevens terug. Daarnaast bevatten de stillevens nog steeds boodschappen. Deze kunnen traditioneel zijn, maar vandaag de dag kunnen dit ook kritische boodschappen zijn die de hedendaagse maatschappij een spiegel voorhouden. Het is niet meer zo vanzelfsprekend dat een stilleven geschilderd is, het wordt steeds populairder om foto-stillevens in je huiskamer op te hangen.
Een stilleven kan saai lijken op het eerste gezicht, het zijn uiteindelijk alleen maar alledaagse, levenloze objecten waar je naar kijkt. Toch zit er veel meer achter dan je zou denken. Nederlandse schilders zijn wereldberoemd geraakt dankzij hun natuurgetrouwe weergave in schilderijen en dit bewijst dat deze levenloze objecten soms juist tot leven kunnen komen op het doek. Daarnaast worden er tegenwoordig originele werken gecreëerd door met ouderwetse conventies te spelen of deze helemaal los te laten. Of je nu een ouderwets een modern stilleven of er zelf een schildert, ze zijn er in alle vormen en maten, kleuren en stijlen. Zo passen ze in iedere interieur en is er voor ieder wat wils.
De woonkleuren van 2018
Dit jaar zijn er een hoop inspirerende trends bijgekomen. De kleur wit kan nog altijd, maar wordt gecombineerd op hele nieuwe manieren. Flexa en Histor hebben, ook zoals ieder jaar, een kleur van het jaar gekozen die beide geweldig combineren met de trends van 2018. Lees hieronder over grijs- en pasteltinten, organische trends, materialen om mee te combineren en hoe je deze trends in jouw woning terug kan laten komen.
Kleur van het Jaar 2018
Climax
Ieder jaar kiest Histor een kleur van het jaar. Deze keuze wordt gemaakt nadat er een onderzoek is uitgevoerd waarbij aandacht wordt besteed aan maatschappelijke en culturele trends. De kleur van dit jaar reflecteert daarmee de mindset van dit jaar. De kleur van 2018 is Climax geworden; een kleur waarin zwart en indigo samenkomen, een warme kleur met een diepgrijze ondertoon. De kleur past bij een scala aan paletten; hij past bij pastelkleuren, donkere tinten of juist neutraal wit of beige. Climax leent zich perfect als een mooie, bijzondere kleur voor op de muren, maar is zeker ook geschikt voor details in het interieur — denk hierbij aan kaarsen of deurknoppen, maar ook kasten, koffietafels of kussens.
Heart Wood
Flexa’s kleur van het jaar is dit jaar Heart Wood, een roze kleur met grijstinten. De kleur is gekozen om jou weer in contact te laten komen met prachtige tinten die te vinden zijn in de natuur. De kleur verandert afhankelijk van de lichtinval en de kleuren die ermee gecombineerd worden. Heart Wood past perfect in uiteenlopende paletten, zo kun je hem combineren op een manier die bij jou smaak past. Denk aan speelse en moderne kleuren, of juist de oudroze tinten die je ook wel aan een poederdoosje doen denken. Een andere optie is om Heart Wood met ijsblauwe tinten te combineren of met Histor’s kleur van het jaar, Climax! Het voordeel van de eindeloze mogelijkheden is dat je niet je complete interieur om hoeft te gooien als je deze woontrend terug wil laten komen in je woon-, slaap- of badkamer. Heart Wood kan perfect geïntroduceerd worden in jouw bestaande interieur.
Kleurtrends
Eclectisch en speels
Dit jaar draait het om nieuwe combinaties waarmee frisse looks worden gecreëerd. Schrik niet, dit betekent niet dat je alles moet verbouwen of dat je je comfort zone uit moet stappen. Wat voor bovengenoemde kleuren van het jaar geldt, geldt ook voor deze trends. Met een subtiele verandering kom je al een heel eind. Of andersom: met veel veranderingen houd je je subtiele interieur waarin toch alle woontrends van 2018 terugkomen.
Pastelkleuren voeren hier de boventoon en bieden eindeloos veel opties. Je kan ervoor kiezen om het palet in je huis rust en eenvoud uit te laten stralen middels een ton sur ton interieur. Wil je het wat spannender maken door een verrassend kleurdetail toe te voegen? Dat kan makkelijk met donkere en verzadigde tinten zoals Climax of houd het fris met bijvoorbeeld okergeel of oranje. Combineer het vrolijke palet met geometrische vormen en grappige prints. Je kan alle kanten op! Maak het geheel af met bijvoorbeeld kussens van mooie materialen en kastjes en koffietafeltjes van verschillende houtsoorten.
Organisch en rustiek
Zoals je kon lezen is een van de redenen om Heart Wood als kleur van het jaar te kiezen het feit dat de kleur aan de natuur teruggekoppeld kan worden. Dit geldt ook voor een groot deel van de woontrends van 2018 — de rode draad is het terugkomen van natuurlijke elementen. De natuur biedt een scala aan kleuren en dat geldt ook voor de woonkleuren van 2018.
Bruin is het nieuwe zwart: denk aan cacao, koffie en boomschors. Bruintinten bieden een warm en zacht palet. In combinatie met (donker)groene en blauwe tinten geef je het een moderner tintje. Nieuwe trendkleuren zoals oranje, warm- of donkerrood, aubergine paars en zachtroze combineren perfect met deze kleuren en bieden een verrassend effect. Blad- en bloedpatronen maken deze oase van rust compleet. Materialen afkomstig uit de natuur maken het af, denk aan rotan, natuursteen, staal en natuurlijk verschillende houtsoorten.
Fris en modern
Vorig jaar was Flexa’s kleur van het jaar Denim Drift, de naam zegt het al, een grijsblauwe kleur. Zoals we weten is Histor’s Climax ook een blauwe kleur. Duidelijk mag zijn dat blauw een dynamische en makkelijk te combineren kleur is. Dit jaar zien we hem in bijvoorbeeld Climax terug als warme en donkere kleur, maar we zien hem ook als de tegenhanger van warm en donker: ijsblauw.
IJsblauw combineert uitstekend met heel veel kleuren en materialen. Zo kun je hem gebruiken in de eerste besproken trend; in combinatie met pastelkleuren, maar hij past ook heel goed bij Climax en of grijsblauwe tinten. Wil je je interieur niet zo’n ijzige uitstraling geven als de naam van de kleur impliceert, combineer hem dan met mooie, aaibare stoffen en warmere kleuren. Houd je meer van minimalisme? Dan past hij makkelijk in een palet van wit, zwart of grijs en naturellen. In ieder geval zijn er tal van materialen die bij deze trend passen, denk aan (geoxideerde) stalen en metalen en stenen als keramiek met een grijze of blauwe ondertoon.
Zoals je ziet biedt 2018 voor ieder wat wils: warm of fris, gedetailleerd of eenvoudig, speels of simplistisch — het kan allemaal. Welke kleur zie jij graag terug in jouw woning?
Kleurrijke schilderijen
Als u op deze blogpost hebt geklikt, bent u waarschijnlijk op zoek bent naar schilderijen met kleur. Maakt u zich geen zorgen, u bent hier aan het juiste adres. Bij Mynewart.nl hebben we namelijk een grote selectie aan kleurrijke schilderijen.
Als het gaat om het kiezen van afbeeldingen voor aan uw muur, is het belangrijk om eens naar de rest van uw interieur te kijken – als u zich aan gebruikelijke interieurregels wilt houden. Het kan bijvoorbeeld mooi zijn om afbeeldingen met veel krachtige kleuren voor aan de muur te kiezen als de rest van uw interieur erg zwart/wit/grijs is – iets wat vaak voorkomt in Nederlandse huizen. Aan de andere kant, als uw huis vol staat met kleurrijk meubilair, kijkt u misschien liever naar schilderijen in kleuren die meer aards en zacht zijn - of misschien zelfs zwart. Zo creëert u een interieur dat niet te druk en misschien onoverzichtelijk is. De keuze is natuurlijk aan u – want u bent degene die in uw eigen huis woont en daarom is uw mening het belangrijkst.
Hieronder staan enkele voorbeelden van schilderijen met kleur. We hebben de voorbeelden gesorteerd op kleurrijke abstracte schilderijen en kleurrijke schilderijen met motieven.
Kleurrijke abstracte schilderijen
Abstracte kunst is kunst die per definitie niet iets concreets voorstelt. Het gaat hier vaak om patronen en symbolen in verschillende maten en vormen. Abstracte kunst is een speciale kunstvorm op Mynewart.nl. Abstracte schilderijen zijn het afgelopen decennium erg populair geworden, omdat abstracte kunst onder andere het denken en de creativiteit van mensen stimuleert. Hieronder staan enkele voorbeelden van kleurrijke abstracte schilderijen:
Delighted
Een schilderij dat vrij eenvoudig en toch kleurrijk is. Het schilderij heeft een zeer minimalistische samenstelling en de verschillende kleuren zorgen ervoor dat het schilderij gemakkelijk in ieder interieur past. Het schilderij is deels wit en is daarom, ondanks de vele andere kleuren, niet te overheersend. U kunt bij dit schilderij een prachtige, zwarte lijst kopen voor een mooie afwerking. Bekijk het HIER.
Sexy Graffiti
Dit schilderij is het toonbeeld van kleurrijk. Het schilderij "Sexy Graffiti" is een weelderige compositie van kleuren in alle tinten. Als uw huis wel wat kleur kan gebruiken, kunt u dit brede schilderij eens bekijken. Het schilderij heeft ook een tweelingbroer in een grotere maat - dus als u de ruimte heeft, hebben wij het schilderij. U kunt het schilderij HIER bekijken.
Colorful Explotion
Ons zeer grote schilderij, dat een indrukwekkende afmeting van 250 x 100 cm heeft. Dit is een schilderij dat plaats nodig heeft. Als u de ruimte heeft en u heeft een gebrek aan kleur in uw huis, dan hoeft u niet verder te zoeken. Dit schilderij geeft uw huis veel kleur en zal ongetwijfeld een blikvanger zijn voor uw bezoek. Bekijk het HIER.
Beautiful Colours
Een maat kleiner dan "Colorful Explotion", maar nog steeds een indrukwekkend schilderij met een afmeting van 200 x 100 cm. Het kleurenschema is een goede combinatie van warme en krachtige kleuren, die uw huis een natuurlijke sfeer en gezelligheid geven. Net als andere grote schilderijen vereist ook dit schilderij wat ruimte op de muur, maar als u de ruimte heeft, kunt u zeker een groot schilderij als dit overwegen. U kunt het schilderij HIER bekijken.
Heat of the Moment
Bijna even groot als de twee schilderijen hierboven samen met een "spanwijdte" van maximaal 240 cm en een hoogte van 100 cm. Dit schilderij heeft wat meer aardse kleuren en is dus niet zo overheersend qua uitstraling. Dit maakt het schilderij echter niet minder indrukwekkend; het zal uw huis extra sfeer geven. Stelt u zich eens voor dat uw grote, lege, witte muur in de woonkamer of keuken wordt versierd met deze prachtige kleuren. Dit zal een geheel andere sfeer creëren. Bekijk het HIER.
Kleurrijke schilderijen met een motief
Naast de abstracte kunst hebben we ook tal van schilderijen met motieven in een even gevarieerd aantal kleuren. Onze motieven omvatten landschappen, natuur, mensen, gebouwen en dieren. Vooral de laatste is een zeer gewilde en zeer gevraagde categorie bij schilderijen. In een portret van een dier kan gemakkelijk veel creativiteit verwerkt worden. Bij Mynewart.nl hebben we zowel klassieke motieven van dieren, als schilderijen die creatiever en moderner zijn qua ontwerp. Hieronder ziet u enkele voorbeelden van kleurrijke schilderijen met motieven: u kunt de schilderijen HIER bekijken.
Panda
Dit kleurrijke schilderij is een creatieve interpretatie van de Panda. Het is een zeer modern en spannend schilderij dat sowieso een blikvanger zal zijn, waar het ook hangt. Het schilderij is gemaakt met veel krachtige kleuren en het zal daarom een mooi tegenwicht bieden tegen de klassieke zwart-wit interieurs die de meesten van ons thuis hebben. Een zeer stijlvol schilderij voor het moderne huis. Bekijk het HIER.
Ape
"Ape" dat een beetje in dezelfde stijl is als het schilderij "Panda", is ook een goede keuze voor een modern huis. Met zijn minimalistische maar kleurrijke stijl zal dit elegante schilderij gemakkelijk een mooi plekje in uw huis vinden. Bovendien heeft het schilderij een zeer verfijnde uitstraling en zal het ongetwijfeld voor een vrolijke sfeer zorgen in de kamer waar u het hangt. U kunt het schilderij HIER bekijken.
The Z
Een moderne interpretatie van een zebra. Dit kleurrijke schilderij bevat kleuren in verschillende tinten en als dit precies de kleuren zijn waar u naar op zoek bent, dan is dit schilderij een geweldige keuze. Het schilderij staat mooi in de meeste interieurs. Ondanks de vele kleuren, is het schilderij niet al te overheersend en zal het gemakkelijk een natuurlijke plek in uw huis vinden. Bekijk het HIER.
Glasses
Het schilderij ‘Glasses’ is een mooie bijdrage aan uw huis. Als u van een vrolijk interieur houdt en als u creatieve uitspattingen kunt waarderen, dan kunt u dit schilderij zeker overwegen. Het werk zelf is prachtig geschilderd met rustige en warme kleuren en het zal geen probleem zijn om een plek te vinden voor dit schilderij. U kunt het schilderij HIER bekijken.
The Hunter
Als u op zoek bent naar een gedetailleerd schilderij, dat perfect uitgevoerd is met oog voor elk klein detail, dan kunt u misschien "The Hunter" eens bekijken. Het schilderij spreekt voor zichzelf en creëert een fijne sfeer in elke kamer. Het schilderij heeft heel veel uren gekost om te maken - maar het is elke penseelstreek waard geweest. Bekijk het HIER.
Mona Lisa – Het verhaal achter het schilderij
Mona Lisa. Dat is de naam van waarschijnlijk ‘s werelds meest beroemde schilderij.
Het kunstwerk is geschilderd door een eveneens wereldberoemde kunstenaar, Leonardo Da Vinci, en heeft een grootte van 77 bij 53 cm. De grootte verrast de meeste mensen meestal wanneer ze het schilderij in het echt zien. Het is namelijk eigenlijk een relatief klein schilderij.
Leonardo Da Vinci begon aan het kunstwerk in 1503 in Florence, Italië, en werkte er in totaal maar liefst 3 jaar aan. Het schilderij werd gemaakt in opdracht van de Italiaanse zakenman Francesco Del Giocondo en zou een portret zijn van zijn vrouw Lisa Gherardini. Vandaag de dag is het schilderij bekend als ‘’Mona Lisa’’, omdat Mona een samenvoeging is van Madonna, wat ‘’my lady’’ betekent.
Hoewel ‘’Mona Lisa’’ een schilderij in opdracht was, kreeg Del Giocondo het nooit overhandigd. Deels omdat Leonardo, ondanks dat hij al minstens 3 jaar af en aan eraan werkte, nooit vond dat het af was.
In 1516 werd Leonardo door koning Francis uitgenodigd om op het kasteel van de koning, Clos Lucé, te komen werken. Leonardo bracht zijn Mona Lisa mee en heeft hier waarschijnlijk verder gewerkt aan het schilderij. Leonardo werkte hier tot zijn dood in 1519. De Mona Lisa was toen nog in zijn bezit. Na zijn dood erfde Leonardo’s assistent, Salai, de Mona Lisa, samen met Leonardo’s andere kunstwerken.
Koning Francis kocht het schilderij voor een bescheiden bedrag en bewaarde het in zijn kasteel in Fontainebleau, tot Louis de XIV het verplaatste naar het kasteel van Versailles. Hier bleef het tot de Franse Revolutie aan het einde van de 18e eeuw. Vervolgens werd het verplaatst naar het wereldberoemde museum het Louvre, waar het vandaag de dag nog hangt. Het schilderij heeft echter tussendoor een paar uitstapjes gemaakt.
Het bekendste uitstapje was toen het schilderij gestolen werd in augustus 1911. Op 21 augustus kwam een kunstenaar ’s ochtends in het museum, en zag dat het schilderij niet meer aan de muur hing. De kunstenaar informeerde de bewakers, die dachten dat het schilderij meegenomen was om te fotograferen voor commerciële doeleinden. Een paar uur later realiseerden de bewakers en het museum zich wat er echt gebeurd was. De Mona Lisa was gestolen. Het Louvre werd een week lang gesloten terwijl een groot onderzoeksteam ter plaatse zocht naar sporen.
De Franse dichter Guillaume Appollinarie werd verdacht en aangehouden, en zijn vriend Pablo Picasso werd ook ondervraagd. Beiden werden echter vrijgesproken door de politie.
Het zou twee jaar duren voordat het schilderij weer opdook. Een werknemer van het Louvre, genaamd Vincenzo Peruggia, had het schilderij gestolen. Hij was in de loop van de dag naar het museum gegaan, had het schilderij gepakt en opgeslagen in een kast. Na sluitingstijd had hij het onder zijn jas verstopt en mee naar buiten gesmokkeld.
Peruggia was een Italiaanse patriot, die vond dat de Mona Lisa thuishoorde in een Italiaans museum, omdat het geschilderd was in Firenze. Later bewijs wees er echter op dat Peruggia door Eduardo de Valfierne opgedragen werd het schilderij te stelen. De Valfierne gaf vervolgens een kunstenaar de opdracht, die vervolgens een kunstenaar zes kopieën liet maken om in de Verenigde Staten te verkopen als de originele, gestolen Mona Lisa.
Het originele schilderij bleef echter de hele tijd in Peruggia’s appartement in Italië. Na twee jaar probeerde Peruggia de Mona Lisa te verkopen aan de directeur van galerie Uffizi in Firenze. Als gevolg hiervan werd Peruggia gearresteerd door de Italiaanse politie. De Mona Lisa werd vervolgens twee weken lang in Uffizi vertoond, waarna het teruggegeven werd aan het Louvre in Frankrijk. Peruggia kreeg een gevangenisstraf van 6 maanden in Italië, waarna hij werd vrijgelaten en geprezen werd voor zijn patriottisme.
De diefstal van de Mona Lisa is eigenlijk de reden dat het schilderij vandaag de dag zo bekend is. Vóór de diefstal waren niet veel mensen buiten de kunstwereld bekend met het werk, maar als gevolg van de diefstal schreven kranten van over de hele wereld over de Mona Lisa.
Behalve diefstal, is het schilderij ook meerdere malen het doelwit van vandalisme geweest. In 1556 werd een deel van het werk beschadigd toen iemand er zuur op gooide. Datzelfde jaar gooide iemand anders een steen op het kunstwerk. Als gevolg daarvan werd de Mona Lisa achter glas geplaatst. Dit voorkwam schade toen een vrouw in 1974 rode verf op het schilderij spoot, en ook in 2009, toen een Russische vrouw een kop thee erop gooide. De schade van de eerste twee beschadigingen werd met goed resultaat hersteld.
In 1962-1963 ging de Mona Lisa op een wereldtournee en werd het in veel verschillende musea tentoongesteld. Voorafgaand aan de tournee werd het schilderij geschat op een waarde van ca. 100 miljoen dollar. De tournee was een groot succes en miljoenen mensen bezochten de musea om de Mona Lisa te kunnen bewonderen. Vandaag de dag wordt het schilderij geschat op een waarde van 0,7 miljard euro. Dat maakt de Mona Lisa tot het meest kostbare schilderij in de wereld.
Het Louvre heeft momenteel geen plannen om het schilderij te verkopen.
De duurste schilderijen ter wereld – Top 10
De duurste schilderijen ter wereld – Top 10
Dit is een lijst met de duurste schilderijen die ooit verkocht zijn.
Waarom worden sommige schilderijen verkocht voor duizelingwekkende bedragen? Een goede vraag, die voor de meeste mensen moeilijk te beantwoorden is. Bij galerie Mynewart.nl hebben we een lijst samengesteld met de tien duurste schilderijen die ooit verkocht zijn. Voor alle schilderijen geldt dat de kunstenaar van het werk niet meer leeft.
Nr. 10: Woman III – Willem de Kooning
Willem de Kooning (1904-1997) schilderde dit abstracte werk, genaamd ‘’Woman III’’, in 1953. Het schilderij werd in november 2006 verkocht voor 137,5 miljoen dollar (116 miljoen euro) aan Steven A. Cohen.
Woman III
Nr. 9: No. 5, 1948 – Jackson Pollock
Jackson Pollock (1912 – 1956) schilderde het abstracte werk No. 5, 1948, zoals de naam al aangeeft in 1948. Het schilderij werd in november 2006 verkocht aan de Mexicaanse investeerder David Martinez. David Martinez betaalde voor dit kunstwerk maar liefst 140 miljoen dollar (118 miljoen euro).
Nr. 8: No Couché – Amedeo Modigliani
No Couché, of Red Nude in het Engels, is de naam van dit olieverfschilderij van een naakte dame. Het schilderij werd in 1917 geschilderd door de Italiaanse kunstenaar Amedeo Clemente Modigliani (1884-1920). Het schilderij werd in november 2015 verkocht door veilinghuis Christie’s, New York, voor 170 miljoen dollar (144 miljoen euro). De koper van het schilderij was de Chinese zakenman Liu Yiqian.
Nr. 7: Les Femmes d’Alger – Pablo Picasso
Uit een serie van in totaal 15 schilderijen is Les Femmes d’Alger de duurste. Het schilderij, dat in 1955 geschilderd werd door Pablo Picasso (1881-1973) en dat binnen de serie bekend staat als ‘Versie O’, werd in mei 2015 verkocht aan Hamad Bin Jassim Bin Jaber Al Thani voor 179,4 miljoen dollar (152 miljoen euro). Dit is het duurste schilderij dat ooit op een veiling verkocht is – in dit geval bij Christie’s, New York.
Nr. 6: Pendant portraits of Maerten Soolmans and Oopjen Coppit – Rembrandt
In 1634 schilderde Rembrandt (1606-1669) twee portretten van het echtpaar Maeren Soolmans en Oopjen Coppit. De schilderijen werden in 2015 verkocht aan het Rijksmuseum en het Louvre samen, voor in totaal 180 miljoen dollar (152 miljoen euro). In elk museum hangt tegenwoordig één schilderij.
Nr. 5: No. 6 Violet, Green and Red – Mark Rothko
Mark Rothko (1903 – 1970), een Russisch/Amerikaanse schilder, maakte in 1951 dit abstracte schilderij met de naam ‘No. 6 Violet, Green and Red’’. Zoals de naam al aanduidt, bestaat het schilderij uit deze kleuren. Het schilderij werd in 2014 verkocht aan de Russische zakenman Dmitry Yevgenyevich Rybolovlev voor 186 miljoen dollar (158 miljoen euro).
Nr. 4: Number 17A – Jackson Pollock
De Amerikaanse kunstenaar Jackson Pollock (1912-1956), die bekend is om zijn abstracte kunst, schilderde in 1948 het abstracte schilderij ‘Number 17A’. Het schilderij werd verkocht aan Kenneth C- Griffin voor 200 miljoen dollar (169 miljoen euro).
Nr. 3: The Card Players – Paul Cézanne
Paul Cézane (1839-1906) schilderde een reeks van vijf schilderijen genaamd ‘’The Card Players’’, met allen een voorstelling van een groep mannen die aan een tafel een potje zit te kaarten. Deze ‘’The Card Players’’, geschilderd in 1894-1895, werd in 2011 verkocht aan de koninklijke familie in Qatar voor een bedrag van tussen de 250 en 300 miljoen dollar (tussen de 212 en 254 miljoen euro).
Nr. 2: Nafea Faa Ipoipo (When Will You Marry?) – Paul Gaugin
Het olieverfschilderij ‘Nafea Faa Ipoipo’’, dat Tahitiaans is en in het Engels ‘’When Will You Marry’’ betekent, is in 1892 geschilderd door de Franse kunstenaar Paul Gaugin (1848-1903) nadat hij op Tahiti geweest was. Het schilderij werd in februari 2015 verkocht aan Sheikha Al-Mayassa Bint Hamad Al-Thani voor 300 miljoen dollar (254 miljoen euro).
Nr. 1: Interchange – Willem de Kooning
‘’Interchange’’ is de naam van het abstracte kunstwerk dat in 1955 voltooid werd door de kunstenaar Willem de Kooning (1904-1997). Het schilderij werd in september 2015 verkocht aan investeerder Kenneth C. Griffin voor maar liefst 300 miljoen dollar (254 miljoen euro). Op hetzelfde moment kocht Kenneth C. Griffin ook het schilderij ‘’Number 17A’’ voor 200 miljoen dollar (169 miljoen euro). Dit is overigens het tweede schilderij in de top tien dat geschilderd is door Willem de Kooning.
Bij elkaar kosten de bovenstaande tien schilderijen circa 1,84 miljard euro netto.
Gelukkig hoeft kunst geen fortuin te kosten. In onze galerie – galerie Mynewart.nl – zijn al onze kunstenaars nog in leven, en onze schilderijen worden tegen hele andere prijzen verkocht. Klik hier om al onze schilderijen te bewonderen.
Bron: Wikipedia